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El piano es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional. Según la clasificación de Hornbostel-Sachs, el piano es un cordófono simple. Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.

En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Es un instrumento destacado en la música jazz. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista. Contenido [ocultar]

* 1 Origen del término * 2 Estructura o 2.1 Mecanismo de percusión o 2.2 Caja de resonancia + 2.2.1 Tabla armónica + 2.2.2 Tapa superior + 2.2.3 Bastidor o 2.3 Cuerdas o 2.4 Teclado o 2.5 Pedales * 3 Historia o 3.1 Antecesores o 3.2 Primeros pianos o 3.3 Evolución y desarrollo + 3.3.1 Siglo XVIII: Primeros fabricantes de pianos + 3.3.2 Siglo XIX: Impulso por la Revolución industrial * 4 Tipos de pianos o 4.1 Piano de cola o 4.2 Piano vertical o piano de pared o 4.3 Piano electrónico o 4.4 Otros tipos * 5 Materiales de construcción * 6 Afinación del piano o 6.1 El batimiento * 7 Papel social del piano * 8 Compositores destacados * 9 Pianistas destacados o 9.1 Pianistas de música clásica o 9.2 Pianistas de jazz * 10 Fabricantes destacados de pianos * 11 Referencias o 11.1 Notas o 11.2 Bibliografía * 12 Véase también * 13 Enlaces externos

Origen del término [editar]

La palabra "piano" deriva del nombre original en italiano del instrumento, pianoforte (piano: "suave" y forte: "fuerte"), asignado por su primer constructor, Bartolomeo Cristofori: clavicémbalo col piano e forte (literalmente "clavecín con [sonido] suave y fuerte"). Esto se refiere a la capacidad del piano para producir sonidos con diferentes intensidades, dependiendo de la fuerza que se le aplica a las teclas. Esta característica, lo diferenciaba de sus predecesores, que solo podían producir un único volumen.

Estructura [editar]

Mecanismo de percusión [editar] Gráfico del mecanismo de percusión de un piano de cola: (1) Tecla, (2) Pilotín, (3) Puente, (4) Pilotín del escape, (5) Palanca de escape, (6) Tornillo de reborde del macillo, (7) Rodillo, (8) Brazo del macillo, (9) Palanca de repetición, (10) Cabeza de macillo, (11) Empujador, (12) Palanca del apagador, (13) Apagadores, (14) Cuchara de apagador, (15) Apagador, (16) Cuerda, (17) Marco, (18) Grapa, (19) Enganche de la cuerda y (20) Somier.

El funcionamiento básico del mecanismo un piano es el siguiente: cuando una tecla es pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto se eleva y el macillo asociado a ella se pone en movimiento en dirección a la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de la percusión. Tras el golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y acto seguido éste cae hasta ser recogido por la grapa, también conocida como atrape, a una distancia aproximada de 2 centímetros. Al levantar lentamente la tecla, ésta libera el conjunto de palancas del escape y el macillo vuelve a estar disponible para volver a tocar la cuerda. Si retiramos la presión por completo, todo el sistema vuelve a su estado inicial de reposo en el que el apagador tiene la misión primordial de interrumpir el sonido.[1]

Caja de resonancia [editar] Caja de resonancia de un piano de cola. Artículo principal: Caja de resonancia

La caja de resonancia, también denominada mueble, es el recinto cerrado del piano, que tiene la finalidad de amplificar o modular el sonido. Es un parte primordial del piano, ya que, además de amplificar y modular el sonido, es un factor decisivo en el timbre del instrumento, siendo importante la calidad de la madera con la que está fabricada, el número de piezas con las que esté construida y su estructura.

La caja está formada por una tapa superior, una tapa inferior, denominada tabla armónica; y una "faja", que es una sección de madera que une ambas tapas, con formas curvadas, y hecha normalmente mediante una presa con calor. En el interior se encuentra el bastidor, que es una estructura de refuerzo de las tapas y sirve para controlar la vibración, y el alma.

Tabla armónica [editar]

La tabla armónica se sitúa debajo y detrás de las cuerdas del piano. Es una superficie de madera laminada que varía de espesor a lo largo de su superficie. Es el auténtico elemento de resonancia del instrumento y su función es amplificar el sonido producido por las cuerdas, que a su vez es transmitido a las mismas a través del puente tonal.

La calidad y homogeneidad de la madera con la que está fabricada la tabla armónica es de suma importancia. En un piano de cola moderno, suele estar construida generalmente en madera de abeto y tiene un espesor de 8 milímetros, el doble de la de un pianoforte.[1] [2]

Tapa superior [editar]

La tapa superior de la caja tiene una doble función: cerrar el mueble y proyectar el sonido hacia el público. Esta tapa se puede colocar en diversas posiciones según la potencia requerida. En el caso de realizar una actuación como solista, la tapa debe estar ubicada en su posición más alta. En cambio, si se está interpretando una obra acompañando a otros instrumentos, la tapa debe permanecer en su ubicación más baja.[3]

Bastidor [editar]

El bastidor es un armazón de barras delgadas que suelen ser de hierro. En el cordal, situado en su extremo posterior, se ajustan las cuerdas y en el clavijero, situado en el frontal, están las clavijas de afinación. Alrededor de éstas se enrolla el otro extremo de la cuerda. Es necesario afinar correctamente cada cuerda. Esto se consigue enroscando el extremo final de cada una de ellas en un eje insertado en el clavijero, obteniendo un tono más agudo o grave según el sentido de giro.[4]

Cuerdas [editar] Cuerdas de un piano. Puede observarse que las cuerdas de la parte superior, correspondientes a las notas más graves, son más gruesas y las de la parte inferior, correspondientes a notas más agudas, son de menor grosor. Artículos principales: Cuerda y Cuerda de piano

Las cuerdas son el elemento vibratorio que origina el sonido en el piano. Son segmentos formados por un material flexible que permanecen en tensión de modo que puedan vibrar libremente, sin entorpecimiento que provoque una distorsión de la onda acústica. La tensión de las 224 cuerdas puede llegar a generar a alcanzar del orden de las 15 a 20 toneladas y depende proporcionalmente de las dimensiones del instrumento.

Los bordones son las cuerdas de mayor longitud y pertenecen al registro grave extremo del instrumento. Hay una única cuerda por tecla y están fabricados en acero, con un contenido del 1% de carbono, y entorchadas con hilos de cobre. Este entorchado tiene la misión de añadir cierto peso y homogeneidad en la vibración de modo que la cuerda alcance la altura sonora deseada, mientras la mantiene lo suficientemente delgada y flexible para tocar. En el registro grave se colocan dos cuerdas por tecla afinadas al unísono y en el registro agudo, tres. Las cuerdas para el registro agudo están fabricadas exclusivamente con acero. La longitud y grosor disminuye proporcionalmente desde el registro grave, cuerdas más largas y gruesas, hasta el registro agudo, de menor grosor y longitud. La longitud de las cuerdas más graves incide proporcionalmente en las dimensiones exteriores del instrumento. Por tanto, una mayor longitud de las cuerdas implica una mayor cola del piano lo que incrementa la calidad de sonido. Ocurre lo mismo con la altura de la caja del piano de pared.

La fabricación de una cuerda para piano se realiza mediante un proceso de trefilado, que consiste en la reducción de la sección de una cuerda de diámetro grueso y hacerla pasar a través de un orificio cónico calibrado practicado en un disco de material más duro que la cuerda. Tras dicho proceso se obtiene una cuerda con un diámetro exactamente calibrado. Al iterar este proceso con agujeros cada vez más pequeños se obtienen otras tantas cuerdas con sendos calibres.

El alambre y del latón se trefilaban a través de discos de acero y las cuerdas de acero se trefilan a través de discos de materiales más duros que el acerco, como el diamante o el rubí. Este procedimiento fue inventado en 1819 por Brockedon en el Reino Unido y sigue siendo usado en la fabricación de cuerdas para los pianos modernos.[5]

Teclado [editar] Teclado de un piano, con las notas del pentagrama que le corresponden. Artículo principal: Teclado

Prácticamente todos los pianos modernos tienen 88 teclas. El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían hasta cinco octavas (poco más de 61 teclas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870 tenían 88 teclas. Algunos pianos modernos tienen algunas teclas más (por ejemplo un Bösendorfer 225 tiene 92 y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97 teclas). Los órganos generalmente tienen 61 teclas por "manual".

El peso de las teclas es un factor muy importante del teclado de un piano. En un piano acústico (de cola o vertical), el peso de las teclas está directamente relacionado con el mecanismo de percusión del macillo, que golpea la cuerda dentro de la caja de resonancia. En un piano electrónico la sensación de peso que tiene lugar en los pianos acústicos es reproducida mediante un mecanismo de martillo debajo de cada tecla.[6]

Pedales [editar] Los tres pedales de un piano de cola, de izquierda a derecha, son: el pedal unicordio o una corda, el pedal tonal y el pedal de resonancia. Artículo principal: Pedal

Los pedales en el piano de cola moderno son:

* El unicordio, también llamado una corda o celeste. Se encuentra a la izquierda y desplaza los macillos hacia un lado, de modo que, según el ajuste que se le dé, los macillos golpean sobre dos de las tres cuerdas y en la zona del fieltro donde habitualmente no lo hacen. El resultado sonoro es, por un lado, una reducción en el ataque y, al mismo tiempo, la cuerda que no es golpeada vibra por simpatía, produciendo una diferencia en la fase de la vibración, lo que en términos generales se traduce no en un reducción de la intensidad (como en el pedal izquierdo de los pianos verticales), sino en una modificación del timbre. El sonido "cambia de color" y la duración de la nota es más uniforme y dulce.

* El pedal tonal o central (también llamado "pedal de sostenuto", del italiano "sostenido") (que también se encuentra en algunos modelos verticales de Yamaha), sirve para crear el efecto llamado "nota pedal", que consiste en mantener durante un tiempo determinado la misma nota o acorde; a diferencia del pedal de resonancia, la nota pedal no se ve alterada por las que se toquen después. El efecto se consigue pulsando primero las notas deseadas y después mantener pulsado el pedal mientras mantenemos las notas pulsadas; una vez hecho esto estas notas permanecerán sonando sin verse alteradas por las que se toquen después, a diferencia del pedal de resonancia que las va sumando.

* El pedal de resonancia al ser pisado libera los apagadores de las cuerdas, lo que permite que la nota siga sonando aunque se haya dejado de pulsar la tecla, añadiendo además una gran cantidad de armónicos de otras cuerdas que vibran por simpatía, aumentando de este modo el volumen sonoro y, en su caso mezclando notas, acordes y armonías diversas, pero usado con destreza también permite pequeños efectos sutiles de expresión, cantabilidad, fraseo o acentuación. En cuanto a la interpretación, dependerá del estilo y de la elección del pianista, que deberá dosificar y cambiar más o menos a menudo según la armonía, la textura y las más o menos definidas indicaciones de la partitura.

La disposición en un piano vertical es ligeramente diferente:

* El pedal de aproximación, también llamado celeste pero no unicordio, se encuentra a la izquierda pero en este caso difiere del piano de cola. Al pulsarlo el mecanismo acerca los macillos a las cuerdas, con lo que, a menor distancia para percutir, menor aceleración al pulsar la tecla, con lo que sencillamente se reduce el volumen sonoro. * La sordina, que es el pedal central, exclusivo de los pianos verticales actuales (en los que sustituye al pedal tonal, con una función totalmente diferente). Al pisarlo, se interpone una tela, normalmente fieltro, entre los macillos y las cuerdas, lo que reduce enormemente el sonido y permite tocar el piano sin molestar a otras personas. El mecanismo no es del todo nuevo, pues una variante del mismo se encontraba también en algunos modelos de pianos de cola construidos a finales de siglo XVIII y principios del XIX, aunque en este caso con una función también tímbrica, de imitación a otros registros o instrumentos. * Y, finalmente, el pedal derecho es el de resonancia, el único que es común a los dos tipos de piano. En los verticales, su funcionamiento es exactamente el mismo.

A principios del siglo XX, los pianos tenían tan sólo el pedal de resonancia y el pedal una corda. Pero en épocas anteriores se experimentó mucho, con registros de laúd, fagot y otros efectos incluso más extravagantes, no siendo raro encontrar pianos antiguos con más de cuatro pedales. Beethoven poseyó un piano Érard con 4 pedales, uno de ellos partido, lo que hacía un total de 5.[7]

Historia [editar]

Antecesores [editar] La cítara es el antecesor más antiguo del piano y data de la Edad del Bronce.

Al igual que muchas otras invenciones, el piano fue fabricado a partir de otros instrumentos anteriores. El instrumento musical de cuerda más antiguo que inicia la línea evolutiva del piano es la cítara, un instrumento originario de África y del sudeste de Asia que se remonta a la Edad del Bronce (alrededor del año 3000 a. C.). La cítara era un conjunto de cuerdas tensas dispuestas sobre una tabla que se hacían vibrar mediante los dedos, las uñas o algún otro objeto punzante.

El monocordio fue un instrumento posterior a la cítara, pero tenía leves variaciones respecto a ésta. Estaba construido con una única cuerda mucho más larga que las cuerdas que se empleaban en la cítara, que vibraba sobre una pequeña caja de resonancia de madera. Este instrumento fue utilizado por varios matemáticos a lo largo de la historia para realizar sus estudios, como el griego Pitágoras, que realizó sus estudios sobre las relaciones entre los intervalos musicales, y Euclides, que basó la geometría euclidiana en las divisiones de este instrumento.

Más tarde se inventó el salterio, un instrumento construido sobre los principios de la cítara pero con una forma trapezoidal en función de las distintas longitudes de sus cuerdas. La tabla trapezoidal del salterio, mucho más tarde, dio paso al diseño de los primeros clavecines. Se pretendía encontrar algún tipo de mecanismo que hiciera que las cuerdas no estuvieran en contacto con los dedos.[8]

Se hicieron bastantes experimentos, y uno de ellos fue el clavicordio, un instrumento que vibraba mediante un pequeño clavo o una aguja metálica que era accionada a través de unas teclas que hacían mover la aguja o clavo para que vibrara la cuerda. Después de la creación del clavicordio nació el clave, diferenciado del clavicordio porque para hacer vibrar las cuerdas utilizaba un plectro o la punta de las plumas de las aves.[8]

Los primeros instrumentos de cuerda percutida fueron los dulcémeles que procedían del santur, un instrumento musical tradicional persa.[9] Durante la Edad Media, hubo varios intentos para crear instrumentos de teclado con cuerdas percutidas,[10] el primero de ellos fue la zanfona, que tiene origen incierto.[11] En el siglo XVII, los mecanismos de instrumentos de teclado como el clavicordio y el clavecín eran bien conocidos. En un clavicordio las cuerdas son golpeadas por las tangentes, mientras que en un clavecín son presionadas por plumas de ganso. Siglos de trabajo sobre el mecanismo del clave, en particular, han mostrado los medios más eficaces para construir la caja de resonancia, el puente y el teclado.

Primeros pianos [editar] La invención del piano se acredita a Bartolomeo Cristofori.

La invención del piano moderno se acredita a Bartolomeo Cristofori de Padua, perteneciente por aquel entonces a la República de Venecia (Italia), que fue contratado por el príncipe Fernando II de Médici como conservador de instrumentos. Fue un experto fabricante de clavicémbalos y fue así como pudo familiarizarse con las técnicas de fabricación de instrumentos de cuerda con teclado. No se sabe con exactitud la fecha en la que Cristofori construyó el primer piano pero en un inventario hecho por sus mecenas, la familia Médici, indica la existencia de un piano en el año 1700.

Como instrumento de cuerda con teclado, el piano es similar al clavicordio, desde el punto de vista organológico, y al clavecín, en términos estético-musicales. Estos tres instrumentos se diferencian en sus mecanismos de producción del sonido. En un clavecín, las cuerdas son pulsadas por plectros. En un clavicordio, las cuerdas son percutidas por pequeñas púas de metal (tangentes) que continúan en contacto con la cuerda hasta que se deja de presionar la tecla. En un piano, las teclas son percutidas por macillos, que rebotan inmediatamente dejando a la cuerda vibrar libremente.

El gran éxito de Cristofori fue hallar la solución, sin ejemplos previos, al problema fundamental mecánico del diseño del piano: el macillo de madera cubierto de cuero debía golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella porque amortiguaba el sonido, como ocurría con las tangentes que se mantenían en contacto con las cuerdas del clavicordio. Por otra parte, el macillo debía volver a su posición de descanso sin rebotar violentamente y, a ser posible, debía permitir repetir una nota rápidamente. El mecanismo del piano de Cristofori sirvió como modelo para los numerosos enfoques diferentes para las acciones de piano posteriores. Si bien los primeros instrumentos de Cristofori se hicieron con cuerdas delgadas y fueron mucho más silenciosos que el piano moderno, en comparación con el clavicordio fueron considerablemente más fuertes y podían mantener mejor la potencia del sonido (los instrumentos de teclado anteriores eran capaces de controlar minuciosamente los matices dinámicos a través del teclado).

El piano no tenía un sonido estridente y metálico como el clavicordio o el clave, sino que era un sonido mucho más suave y sostenido. Además, los macillos estaban dotados de un sistema de escape mediante el cual era posible variar tanto el volumen como el tono del sonido. Con él se incrementaba notablemente la capacidad expresiva musical del instrumento, ya que además de producir un determinado sonido siempre al mismo volumen y tono, como ocurría con los instrumentos antecesores, era posible producir sonidos con más o menos volumen que otros y producir una muy ligera variación tonal. Todo esto dependía de la forma de ejecutar el teclado del piano: con movimientos rápidos y bruscos de las teclas se producían sonidos de gran volumen y brillantes; y con movimientos lentos y apaciguados se generaban sonidos de menor volumen y con un tono más dulce.[8]

Cristofori lo llamó gravicembalo col piano e forte. Este nombre hacía referencia a la capacidad del instrumento de producir sonidos con diferentes intensidades, dependiendo de la presión ejercida sobre las teclas, si apretabas fuerte el sonido era mayor y si apretabas más suavemente el sonido era menor, de aquí viene el nombre que le puso primariamente, pianoforte (derivado del italiano: piano: suave y forte: fuerte). Cristofori construyó cerca de una veintena de pianos durante a lo largo de su vida, de los que sólo se conservan tres, el más antiguo de los cuales se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y data de 1720.[8] Réplica de un pianoforte elaborada por Paul McNulty siguiendo la construcción de uno similar fabricado en 1804 por el vienés Anton Walter.

El nuevo instrumento construido por Cristofori se mantuvo relativamente desconocido hasta que el escritor italiano Francesco Scipione escribió un entusiasta artículo sobre el piano en 1711, incluyendo un diagrama de su mecanismo. Este artículo fue distribuido ampliamente y la mayor parte de la siguiente generación de fabricantes de pianos inició su trabajo debido a su lectura. Uno de estos fabricantes fue Gottfried Silbermann, más conocido como fabricante de órganos, que tenía su taller en Freiberg (Sajonia, Alemania). Los pianos de Silbermann son prácticamente copias directas del piano inventado por Cristofori pero con una importante adición: Silbermann inventó el precursor del pedal de resonancia moderno, que elevaba todos los apagadores de las cuerdas a la vez.

Hacia 1726 Cristofori introdujo en sus pianos el sistema una corda que daba al intérprete la posibilidad, mediante un comando especial, de desplazar el mecanismo de tal modo que cada macillo golpeara sobre una cantidad de cuerdas menor de lo habitual para lograr un sonido muy suave. Este mecanismo se sigue manteniendo en los pianos modernos actuales y el una corda permite que el macillo del piano golpee sobre una única cuerda de cada grupo. Las primeras composiciones específicas para pianos aparecieron alrededor de 1732, entre las que destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti.

Silbermann mostró a Johann Sebastian Bach uno de sus primeros instrumentos en la década de 1730, pero a Bach no le gustaba ese instrumento, alegando que las octavas superiores eran demasiado suave para permitir un completo registro dinámico, lo que le granjeó cierta hostilidad con Silbermann. Al parecer las críticas fueron atendidas y en 1747 Bach dio su aprobación al instrumento e incluso actuó como un agente en la venta de pianos fabricados por Silbermann.[8]

Desde el taller de Gottfried Silbermann se desarrollaron las famosas escuelas de fabricación de pianos: la "Escuela inglesa" que surgió a partir de dos discípulos de Silbermann, llamados Johannes Zumpe y Americus Backers, que emigraron a Londres donde desarrollaron un piano que poseía el mismo mecanismo que el de Cristofori aunque con notables modificaciones, que más tarde sería denominado "mecanismo inglés"; y la "Escuela alemana", surgida a partir de otro discípulo de Silbermann llamado Johann Andreas Stein que realizó otras modificaciones al mecanismo original de un diseñador llamado Schroter, denominado "Mecanismo alemán o vienés".[8]

Evolución y desarrollo [editar]

Siglo XVIII: Primeros fabricantes de pianos [editar] Un piano Érard, con caja de resonancia de palisandro.

Desde los primeros pianos del italiano Cristofori hasta los pianos actuales, muchas mejoras y avances se han producido, pero el concepto y la idea fundamental para su construcción continúan siendo las mismas. Se han optimizado materiales para lograr una mejor calidad de sonido, se ha aumentado paulatinamente el número de notas para ampliar la capacidad musical del instrumento y se ha mejorado el diseño para lograr un mejor rendimiento. Sin embargo, el concepto fundamental de pianoforte como un instrumento capaz de lograr sonidos fuertes y suaves sigue siendo el mismo.

El apogeo de la fabricación de pianos tuvo lugar a finales del siglo XVIII en la escuela de Viena, que incluyó a fabricantes como el mencionado Johann Andreas Stein (que trabajó en Augsburgo, Alemania) y los vieneses Nannette Streicher (hija de Stein) y Anton Walter. Los pianos de estilo vienés fueron construidos con marcos de madera, dos cuerdas para cada nota y macillos cubiertos de cuero. Algunos de estos pianos de estilo vienés tenían un colorido opuesto al de los pianos modernos: las teclas naturales eran negras y las accidentales blancas.[12] Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus conciertos y sonatas y se fabricaron réplicas de ellos para su uso en interpretaciones de música antigua. Los pianos de de la época de Mozart tenían un tono más suave y claro que los pianos modernos o los pianos ingleses, con potencia mantenida. El término pianoforte se utiliza a menudo para distinguir los pianos del siglo XVIII de los pianos posteriores.

Entre los años 1760 a 1830 la fabricación de pianos tuvo una gran expansión y sufrió grandes modificaciones. Esta revolución fue una respuesta a la preferencia de los compositores y pianistas por tener un piano con un sonido más poderoso y sostenido, y fue posible gracias a los avances tecnológicos surgidos a partir de la Revolución industrial, que estaba comenzando, como la alta calidad del acero, llamado cuerda de piano, y de las cuerdas; y la precisión de la fundición para la producción de hierro fundido. Con el tiempo, la gama tonal del piano también fue en aumento y pasó de las cinco octavas de la época de Mozart a las siete octavas y un tercio o más de los pianos modernos.

En 1762 Henry Walsh realizó el primer concierto para piano en toda la historia en Dublín (Irlanda).[13] El diseñador de pianos francés Sébastien Érard construyó en 1776 el piano rectangular, que era una variante especial del piano de cola. En 1773 se publicaron las sonatas para piano Opus 2 de Muzio Clementi, que pretendían utilizar al máximo los recursos del piano. En 1775 se construye en Filadelfia el primer piano en Estados Unidos y en 1795 se fabrica el primer piano vertical en Londres, diseñado por William Stodart.[8] Pascal Taskin también fabricó algunos pianos entre los años 1786 y 1790.

Los primeros avances tecnológicos fueron en gran medida gracias a la empresa inglesa Broadwood, que ya tenía reputación por el tono esplendoroso y poderoso de sus clavecines. Broadwood contruyó instrumentos que fueron progresivamente más grandes, más fuertes y más vigorosamente construidos. Enviaron dos pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven y fue la primera empresa de fabricación de pianos con una gama de más de cinco octavas: cinco octavas y una quinta en el año 1790, seis octavas de 1810 (Beethoven utilizó las notas extraordinarias en sus obras posteriores), y siete octavas de 1820. Los fabricantes vieneses también siguieron estas tendencias, sin embargo las dos escuelas de piano utilizaron diferentes acciones: el mecanismo de Broadwood era más robusto y el de los instrumentos de Viena era más sensible.

Siglo XIX: Impulso por la Revolución industrial [editar] Comparación del sonido de un piano Sonido de un piano del siglo XIX Reproducir sonido Estudio Op. 25, n.º 12 de Frédéric Chopin, en un piano Erard fabricado en 1851. Sonido de un piano moderno Reproducir sonido La misma pieza en un piano moderno

En 1808, Sébastien Érard patentó un mecanismo de simple repetición e incorporó la grapa, una pieza que permitía a las cuerdas permanecer en su lugar exacto después de ser golpeadas por los macillos. Dos años más tarde, en 1810, diseñó el mecanismo de pedales del piano moderno.[8] En la década de 1820, la fábrica de pianos de Érard en París pasó a ser el centro de la innovación en lo referente al mecanismo del piano. En 1822 introdujo su mecanismo de doble repetición, que permitía una gran velocidad de repetición al pulsar las teclas del piano, incluso si la tecla aún no había alcanzado su máxima posición vertical, y facilitaba una rápida ejecución. Cuando esta invención se hizo pública, en su forma revisada por Henri Herz, el mecanismo de doble repetición se convirtió paulatinamente en un elemento estándar en el mecanismo de los pianos de cola y forma parte de todos los pianos de cola modernos.

Una de las principales innovaciones técnicas que ayudaron a crear el sonido del piano moderno es la utilización del hierro fundido. También el llamado "marco", el hierro fundido que se asienta sobre la caja de resonancia, que sirve como principal baluarte contra la fuerza ejercida por la tensión de las cuerdas. El aumento de la integridad estructural del hierro fundido permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas, en lugar de las cuerdas de latón que se empleaban hasta entonces, que eran más blandas y no soportaban tensiones tan altas. Posteriormente se usaron cuerdas de acero, más fuertes que las de hierro y que permitían una tensión aún mayor. En un piano de cola moderno el total de la tensión de las cuerdas puede aproximarse a las 20 toneladas. La pieza simple de hierro fundido fue patentada en 1825 en Boston por Alpheus Babcock, combinando el enganche del marco (creado en 1821 y reclamado por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y la barra de resistencia (creada por Thom y Allen en 1820, pero también reclamada por Broadwood y Érard). Más tarde, Bab****para Chickering & Mackays, empresa que patentó el primer marco de hierro de los pianos de cola en 1843. Los fabricantes europeos de pianos prefirieron los marcos de hierro fundido hasta que principios del siglo XX, fecha en que el sistema estadounidense fue completamente adoptado. Macillos de fieltro de un piano vertical moderno.

Se incluyeron otras innovaciones en el mecanismo del piano, como el uso de fieltro en los macillos en lugar de recubrirlos con cuero. Estos macillos de fieltro fueron empleados por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826. Al ser un material más consistente, permitía mayores registros dinámicos como el peso del macillo y el aumento de la tensión de las cuerdas. Otras importantes innovaciones técnicas de esta época incluyen cambios en la forma de fabricación de las cuerdas, como el uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para para todas las cuerdas, excepto para las de las notas inferiores; y el uso de diferentes métodos de tensando. Con el método de tensado over string, también llamado cross-stringing, las cuerdas se colocan en manera superpuesta inclinada verticalmente, con puentes de dos alturas en la caja de resonancia en lugar de sólo uno. Esto permite cuerdas mayores, pero no necesariamente más largas, para encajar dentro del piano. El tensando over string fue inventado por Jean-Henri Pape durante la década de 1820 y fue patentado para su uso en los pianos de cola en Estados Unidos por Henry Steinway Jr. en 1859.

A lo largo del siglo XIX se fundaron numerosas compañías de fabricación de pianos. En 1828, Ignaz Bösendorfer fundó la suya en Austria y el 1853 supuso un hito en lo que se refiere a formación de fábricas de pianos, ya que el alemán Heinrich Engelhard Steinweg emigró a Estados Unidos y fundó en Nueva York la fábrica Steinway & Sons; Julius Blüthner fundó su compañía en Leipzig y Carl Bechstein hace lo propio en Berlín.

En 1863 Steinway & Sons diseñaron y fabricaron el piano vertical moderno con cuerdas cruzadas y una única tabla armónica y en 1874 perfeccionaron el pedal tonal o sostenuto, inventado en 1844 por Jean Louis Boisselot, que permitía un registro más amplio. Ese mismo año, Julius Blüthner patentó el sistema aliquot, que incorporaba a cada grupo de tres cuerdas una cuarta adicional más elevada para incrementar la resonancia de las mismas y que no era percutida por el macillo, sino que vibraba en simpatía. En 1880 Steinway & Sons abrió una sucursal en Hamburgo, lo que incrementó la competencia en el mercado europeo con Bechstein y Blüthner.

A partir de ese año ya se puede hablar de piano moderno, tal como lo se conoce hoy en día, aunque se han realizado modificaciones posteriores al diseño del piano pero sin demasiada trascendencia.

Tipos de pianos [editar]

Piano de cola [editar] Un piano de cola de Bösendorfer.

Un piano de cola es un tipo de piano en el que las cuerdas y la caja de resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una tapa superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún tipo.

Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de cola fabricado, pero suelen oscilar entre los siguientes valores:

* piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud. * piano de un cuarto de cola. De 131 hasta 189 cm de longitud. * piano de media cola. De 190 hasta 225 cm de longitud. * piano de tres cuartos de cola. De 226 hasta 255 cm de longitud. * piano de gran cola. Superiores a 256 cm de longitud.

Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase. Algunos sólo poseen decoraciones o modificaciones espectaculares de los pianos ordinarios como pies trabajados, marquetería, pintura o revestimiento. Otros son modificaciones radicales como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli.

Piano vertical o piano de pared [editar] Piano vertical.

El piano vertical se caracteriza por tener las cuerdas, los macillos y la caja de resonancia en posición vertical, perpendicular al piso.

De modo general se pueden dividir entre cuatro tipos distintos dependiendo de su tamaño:

* Piano vertical espineta: el más pequeño en su categoría con un sonido característico, piano de máquina indirecta (quiere decir que el mecanismo se encuentra por debajo del teclado). Su altura es menor a 98 cm. * Piano vertical consola: son pianos de máquina directa, es decir, el mecanismo está al mismo nivel del teclado. De 98 a 109 cm de altura. * Piano vertical de estudio: son pianos de máquina directa, con el mecanismo un poco más elevado del nivel del teclado. Esta característica proporciona al intérprete una mayor seguridad. De 110 a 139 cm de altura. * Piano vertical antiguo: son pianos con una gran capacidad acústica, de máquina directa aún más elevada que el piano de estudio. Su medida de altura es muy variable dependiendo del fabricante pero suele tener más de 140 cm de altura.[8]

Piano electrónico [editar] Piano electrónico. Artículo principal: Piano electrónico Véase también: Órgano Hammond y Teclado electrónico

El piano electrónico es una invención del siglo XX. Tiene la misma apariencia del piano. La diferencia es que el sonido proviene de medios de síntesis electrónica. Además, puede reproducir el sonido de diferentes instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos predeterminados.

Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes con una sola tecla en diferentes estilos. Algunas tienen todo un sistema educativo, como el Yamaha Education System, el sistema de aprendizaje de Casio o el DoReMi de Roland. Con estos sistemas educativos se pueden aprender canciones, porque el sistema indica la tecla a presionar. Se pueden practicar fragmentos de canción, inclusive. Algunos modelos traen incorporado un metrónomo para poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.

El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para volver a escucharlas después. También puede grabar la melodía para cada mano independientemente. Hay variedades que son sensibles al tacto, es decir, detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en un piano real y actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con mayor o menor fuerza, según el caso.

Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se puede apreciar el pentagrama, la nota presionada (en un teclado dibujado) y las canciones. Tienen accesorios opcionales como el pedal y el cable para conectarse con un ordenador y se pueden transferir canciones a través del mismo. También se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el computador por medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring). Otros accesorios son el atril para colocarla y la base para las partituras.

La calidad de su sonido no es la misma de un piano normal y la fuerza con que se tocan las teclas también es diferente, aunque su precio es mucho menor.

Otros tipos [editar]

Los pianos de juguete comenzaron a ser fabricados en el siglo XIX. En 1863, Henri Fourneaux inventó la pianola que es un piano que reproduce de forma automática, usando dispositivos neumáticos, las notas escritas en un rollo perforado sin necesidad de un pianista. Un equivalente moderno a la pianola es el sistema Yamaha Disklavier que usa solenoides y archivos MIDI en lugar de los dispositivos neumáticos y los rollos perforados. El piano silencioso, que permite que un piano normal sea usado como un instrumento digital, es un invento reciente pero se ha hecho muy popular.

Irving Berlin utilizó para componer con más facilidad un instrumento llamado piano transpositor, creado en 1801 por Edward Ryley. Este instrumento podía cambiar de tonalidad al accionar una palanca situada debajo del teclado. Uno de los pianos utilizados por Berlin se encuentra en el Smithsonian Museum. En la mayor parte de su carrera, Berlin sólo supo utilizar las teclas negras del piano pero con este piano modificado no tuvo limitaciones con la tecla de fa♯.

El piano preparado es un invento relativamente reciente, que es usado en la música contemporánea. Este instrumento es un piano de cola normal al se le han colocado objetos en su interior para alterar su sonido o que ha recibido algún tipo de cambio en su mecanismo. Las partituras de las obras para pianos preparados a menudo instruyen al pianista sobre cómo insertar pequeñas piezas de goma o metal, como tornillos o arandelas, en medio las cuerdas. Estos elementos añadidos reducen el sonido de las cuerdas o crean sonidos poco corrientes debido a la alteración de la vibración de las mismas.

ed Hot Chili Peppers es una banda de funk rock formada en Los Ángeles, California, en 1983. Durante la mayor parte de su carrera, la banda ha estado constituida por el cantante Anthony Kiedis, el guitarrista John Frusciante, el bajista Michael "Flea" Balzary, y el baterista Chad Smith. La banda ha compaginado en su estilo distintos géneros musicales que van desde el rock y el funk, hasta el punk rock y el rock psicodélico.

Contenido [ocultar]

* 1 Historia o 1.1 Formación y primer álbum (1983–1984) o 1.2 Freaky Styley (1985) o 1.3 The Uplift Mofo Party Plan (1986-1988) o 1.4 Mother's milk (1989-1990) o 1.5 Blood Sugar Sex Magik (1991-1994) o 1.6 One Hot Minute - (1994-1997) o 1.7 Californication (1999-2001) o 1.8 By The Way (2002-2005) o 1.9 Stadium Arcadium (2006-2007) o 1.10 Próximo Álbum (2009-...) * 2 Curiosidades * 3 Miembros o 3.1 Actualmente o 3.2 En el pasado o 3.3 Colaboraciones con la banda * 4 Premios * 5 Discografía * 6 Sencillos * 7 Videografía * 8 Fuentes * 9 Enlaces externos * 10 Referencias

Historia [editar]

Formación y primer álbum (1983–1984) [editar]

La banda (originalmente Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters of Mayhem)[1] fue formada en la preparatoria Fairfax High School[2] por un grupo de alumnos que asistían a dicha escuela: Anthony Kiedis, Hillel Slovak, Jack Irons, y Michael "Flea" Balzary.Éste último acababa de terminar una breve estancia como bajista de uno de los primeros grupos hardcore punk de Los Angeles llamado Fear, pero su ínterés en los sonidos negros lo hizo renunciar en 1983. Slovak y Irons a su vez, estaban en otro grupo What Is This?, pero los miembros más permanentes de Red Hot Chili Peppers (Anthony y Flea) ya no quisieron entrar de lleno en el mercado Punk. La primera actuación de ellos fue en el "Rhythm Lounge", a la que acudieron 30 personas.[3] Para ese concierto, ellos habían compuesto una canción claramente inspirada por la fusión de punk, rap y funk del sencillo "The Magnificient Seven" de The Clash pero con la nueva actitud salvaje del hardcore, la después conocida "Out in L.A". El rendimiento en vivo de la banda fue tan bueno que se les pidió regresar la semana siguiente. Debido a este inesperado éxito, los miembros de la banda cambiaron el nombre por el de Red Hot Chili Peppers, debido a que vieron el nombre original un poco incómodo.[4] Luego siguieron tocando en varios conciertos por clubes de LA y cabarets como el Kit Kat Club. Es en estos primeros momentos cuando empiezan a hacerse populares por sus actuaciones en las que aparecían completamente desnudos, con sólo un calcetín en los genitales.[5] Seis de las canciones que tocaban en esos shows fueron grabadas en su primer demo.[6]

Varios meses después de su primera actuación, la banda firmó con la disquera EMI. Pero, dos semanas antes, What Is This? había obtenido contrato con MCA, por lo que Slovak y Irons dejaron Red Hot Chili Peppers y se dedicaron a What is this?.[7] Kiedis y Flea ni pensaron en disolver la banda, sino que decidieron reclutar a nuevos miembros. Cliff Martinez, un conocido de Flea, pidió sumarse a los Chili Peppers poco después. También se uniría Jack Sherman.[8]

Andy Gill el guitarrista de Gang of Four, también pioneros en la incorporación del funk al estilo punk, fue contratado para producir su primer álbum.[9] A pesar de que Kiedis y Flea dudaron, él empujó a la banda a tocar música más viable comercialmente. En un principio Kiedis quería titular el disco True men don't kill coyotes, pero la compañía quería que el título fuese Red Hot Chili Peppers, a lo que el grupo tuvo que acceder finalmente. El disco salió el 10 de agosto de 1984 y fue un fracaso comercial.[10] Vendió aproximadamente 25000 unidades y obtuvo poco reconocimiento. La siguiente gira estuvo un poco mejor, aunque Kiedis y Sherman tenían un relación muy tensa. Sherman fue despedido poco después y Slovak regresó a la banda, después de hartarse de What is This?.[11]

Freaky Styley (1985) [editar]

George Clinton (el legendario líder de Parliament y Funkadelic) fue elegido (a petición de Anthony y Flea) para producir el próximo album de la banda, Freaky Styley.

El álbum fue grabado en el famoso Detroit's famed R&B and funky United Sound Systems studios en el borde de la Universidad Estatal de Wayne.[12] Clinton combinó diversos elementos del punk y el funk en el repertorio de la banda, que permitieron incorporar variedad a la música.

El álbum fue publicado el 16 de agosto de 1985,[13] pero aunque la banda tuvo una relación mucho mejor con Clinton que con Gill, el álbum fue apenas más éxitoso que el primer album, y no tuvo llegada a ningun Chart, pese a contar con la producción de una leyenda viviente como el "Dr. Funkenstein". La posterior gira no fue considera productiva para la banda.

The Uplift Mofo Party Plan (1986-1988) [editar] Entrada del concierto de RHCP en Hyde Park, Londres.

Cliff Martinez partió del grupo en el verano de 1986, y la banda contrató temporalmente a Chuck Biscuits para terminar la gira. Jack Irons, se quedó sin trabajo y separado de otros compromisos, se reintegró al grupo, Anthony, Flea y Hillel quedaron muy sorprendidos. El grupo eligió a Michael Beinhorn, quien había colaborado con Herbie Hancock, y formado grupos como Material y Tackheads, para producir su próximo álbum. Volvían a estar los cuatro componentes originales de la banda. Las canciones comenzaron a formarse rápidamente, y el álbum empezó a tener forma, usando la misma mezcla de funk y ritmos que Freaky Styley y pero con sonidos mucho más agresivos de punk y metal. Reuniéndose los cuatro integrantes, empezaron el proceso de creación.

El 29 de septiembre de 1987, The Uplift Mofo Party Plan salió a la venta, convirtiéndose en el primer álbum de los Red Hot Chili Peppers en aparecer en algun Chart. A pesar de que llegaron sólo al pueso # 148 en el Billboard Hot 200, este fue un éxito importante en comparación a los dos primeros álbumes.

Durante este período, Kiedis y Slovak estaban desarrollando graves habitos de adicción a las drogas, a menudo hasta abandonaban la banda. La adicción a la heroína llevo a Slovak a la muerte el 25 de junio de 1988 a los 25 años de edad. Kiedis abandonó la ciudad y no asistió al funeral de Slovak, considerando que la situación era surrealista. Huyó a México donde permaneció unos meses para desintoxicarse. Jack Irons, posteriormente, abandonó el grupo, diciendo que él no quería ser parte de un grupo donde sus amigos estaban muriendo. Fue internado en un psiquiátrico.

Mother's milk (1989-1990) [editar] Artículo principal: Mother's milk

Ante la muerte de Hillel Slovak la banda primeramente contrató a D. H. Peligro de los Dead Kennedys como batería y al guitarrista de P-Funk DeWayne "Blackbyrd" McKnight, pero estos no contaban con la chispa suficiente como para continuar en la banda por lo que serían despedidos. Posteriormente se contrataría a John Frusciante como guitarrista, ya que Flea había estado improvisando junto a él y le vino a la cabeza esta improvisación y decidió junto a Kiedis que era el reemplazo perfecto para Hillel. Estas improvisaciones posteriormente se convirtieron en algunas canciones como "Pretty Little Ditty".

Tres semanas antes de la entrada al estudio la banda continuaba sin batería, y un amigo de la banda les recomendo a Chad Smith, un baterista que había visto y que se "desayunaba a la batería en cada desayuno". Se le decidió dar una oportunidad a Chad. En esa audición Chad abrumó a la banda por la fuerza y complejidad de sus notas. Después de esta sesión de improvisación, se decidió admitir a Chad como baterista de la banda.

La banda entró en el estudio, pero esta grabación estuvo entorpecida por los conflictos con el productor del álbum Michael Beinhorn, que tenía como propuesta que John tocara riffs de heavy metal, lo cual molestó a John, ya que este estilo no se ajustaba a su estilo. Este estilo se puede ver en canciones como "Stone Cold Bush"

Mother's Milk fue lanzado el 15 de agosto de 1989 y tuvo con la canción tributo a Hillel Slovak "Knock Me Down" que fue su primera canción en llegar al top 10 de las canciones de rock. También tuvieron un gran éxito con la interpretación de "Higher Ground" de Stevie Wonder. Con su gran línea de bajo en 'slap' y ritmo rápido de funk, "Higher Ground" representó la perfecta mezcla del Motown de los 70 con el punk. Mother's milk vendió unas 2 millones de copias alrededor del globo. Otros sencillos de la banda fueron "Knock Me Down" (Canción dedicada a Hillel Slovak) y "Taste The Pain". Una canción sacada como bonus track en diferentes sencillos, llamada "Show Me Your Soul" fue el sound track de la película "Pretty Woman". Pero todo este éxito no es comparable a lo que pasaría con su siguente disco.

Blood Sugar Sex Magik (1991-1994) [editar] Artículo principal: Blood Sugar Sex Magik

El contrato de la banda con EMI había expirado, y entonces comenzaron a buscar otra discográfica para lanzar su próximo álbum. El grupo llegó a un pre-acuerdo con Sony BMG/Epic, con la condición de que Sony comprara su último álbum con EMI, este proceso tardo meses. Aunque ya se había realizado el acuerdo con Sony/Epic, Mo Ostin de la Warner Bros llamó a Kiedis para felicitarlo por el contrato y felicitó a la compañía discográfica rival, Kiedis pensó "La persona más genial y más auténtica que conocimos durante todas las negociaciones acababa de llamarme personalmente para animarme a hacer una exitosa grabación para una compañía rival. Ese era el tipo de individuo para el que quería estar trabajando". Kiedis llevó a cabo su idea, y finalmente abandonó el contrato con Sony para firmar con Warner Bros.

Se decidió que la grabación del álbum debía realizarse en un sitio diferente, y Rick Rubin, productor del álbum, sugerió una mansión supuestamente embrujada. Para la grabación del álbum, Rick Rubin dejó a la banda completa libertad en sus composiciones, ya que la banda había tenido problemas por estas circunstancias.

Su colaboración con Rick Rubin fue la que le llevo al estrellato total, el álbum que sería llamado "Blood Sugar Sex Magik", que sería sacada a la venta posteriormente el 24 de septiembre del 1991. El primer sencillo del álbum fue la canción "Give It Away", gracias a ella la banda ganaría un Grammy por la mejor canción de hard rock, y conseguirían su primer nº1 en los rankings de canciones de Rock Moderno. La promoción del disco continúa con la balada "Under The Bridge", que fue un autentico bombazo a nivel mundial. En él, Anthony Kiedis narra su batalla con las drogas. Es la canción de la banda que más alto ha llegado en el Billboard Hot 100, llegando al nº2.

Otros sencillos del álbum fueron "Suck My Kiss" o "Breaking The Girl". En mayo de 1992, John Frusciante deja la banda en el tour japonés, alegando que se sentía alienado. Flea dijo que el tour había sido muy duro y que no tenían prácticamente tiempo para dormir. Lo sustituye inicialmente Arik Marshall, que aparece en los videos de "Breaking The Girl" e "If You Have To Ask". Luego le sustituye Jesse Tobias y finalmente se recurre a Dave Navarro, guitarrista de Jane's Addiction, para cubrir la vacante dejada por Frusciante, que en los años que estuvo fuera de la banda (volvería en 1998) estuvo deprimido y luchando contra las drogas. También trabajó en la música como solista, sacando varios discos al mercado, uno de ellos fue retirado del mismo por Frusciante. El álbum Blood Sugar Sex Magik vendió más de 12 millones de copias a nivel mundial, solamente superado en cifras por Californication. Blood Sugar Sex Magik fue nombrado en el nº 310 en el magazine "Rolling Stones" en la lista los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

One Hot Minute - (1994-1997) [editar] Artículo principal: One Hot Minute

Con la llegada de Dave Navarro a la banda el sonido de la banda cambiaría inevitablemente. La banda entró en The Sound Factory, un estudio de grabación situado en Los Ángeles, para grabar el álbum. Cuando la banda había completado unas pocas canciones, pero Kiedis comenzó a tener dificultades para cantar, ya que tras cinco años sin drogas volvía a ser un drogodependiente. Posteriormente, Navarro cuestionó los métodos de grabación del grupo, que cuestionaba por qué habían tantas sesiones de improvisación y el proceso de grabación se hizo incómodo para la banda. Kiedis, al no contar con Frusciante, escribió las canciones a un paso muy lento. En compensación, Kiedis y Flea se fueron de vacaciones juntos, durante las cuales se concibieron la mayoría de las canciones. Muchas de las canciones fueron escritas en una época en la que Kiedis escondía su reanudada adicción. Escribir One Hot Minute duró casi dos años, y su grabación y producción también fueron procesos problemáticos, ya que Navarro se sentía como un intruso en la banda.

El 12 de Septiembre de 1995, casi cuatro años después del lanzamiento de Blood Sugar Sex Magik, salió a la venta el irónicamente titulado One Hot Minute. Esta época es considerada como la más alternativa de la banda, llevando a cabo una rara mezcla de diferentes géneros musicales (como el punk, rock psicodélico y funk) y una guitarra mucho más distorsionada llevada a cabo por Navarro, con melodías más pesadas, que se puede ver claramente en canciones como "Coffee Shop" o "Deep Kick". El disco fue un fracaso en ventas comparado con Blood Sugar Sex Magik. La crítica que recibió el disco tampoco fue tan buena como la de su predecesor

El último concierto de la banda con Dave Navarro fue en Fuji en 1997, bajo una lluvia torrencial. En ese show Anthony tenía inmovilizado el brazo. A partir de ese show la banda deja de verse durante todo lo que resta de 1997. Dave y Anthony luchaban en esa época contra su drogodependencia. La banda intentó hablar con Dave para que ingresara en rehabilitación, pero se formó una discusión y Dave tropezó con un amplificador. Anthony y Flea deciden despedir a Dave, que se lo tomó mal pero posteriormente aceptó y la banda estuvo a punto de separarse. Flea comenzó a cuestionarse sobre el futuro de la banda, y pensó que la separación era necesaria, aunque se hizo un último intento de mantener junta la banda, pidiéndole a Frusciante, que había completado un programa de rehabilitación por su adicción a la heroína, a que volviera a la banda, a lo que John aceptó llorando de alegría

Californication (1999-2001) [editar] Artículo principal: Californication

En abril de 1998, en una sola semana, la banda contó con la vuelta de Frusciante y se vuelven a juntar para crear música juntos. Gran parte del álbum fue concebido en casas de los integrantes de la banda. Kiedis y Frusciante pasaban días juntos discutiendo sobre la creación de las canciones, los riffs de la guitarra y el contenido lírico. La mayor parte del álbum progresó rápidamente, aunque "Californication" en sí fue una canción difícil de completar. La grabación marcó un cambio de estilo para los Chili Peppers, aunque Californication seguía teniendo rastros de su sonido "punk funk", se inclinó hacia riffs más melódicos como en "Scar Tissue" o "Otherside". El regreso de Frusciante trajo un estilo más experimental, con canciones como "Emit Remmus" (Summer Time al revés, ya que se resalta un riff de guitarra que fue grabado hacia atrás), "Savior" o "This Velvet Glove". El álbum incluye múltiples referencias a las drogas y a Hollywood

A finales de 1998, vuelven a los estudios californianos, para grabar el conocido álbum Californication. Los Chili Peppers decidieron continuar con Rubin como productor para Californication. En el pasado Rubin concedió a los Chili Peppers libertad creativa y pensaban que esto era necesario para que el álbum fuera único, y sólo podría suceder con su regreso. La grabación se realizó en los estudios Cello, en Los Ángeles. Durante el proceso de grabación la banda tocó para sus mánagers "Scar Tissue", "Otherside" y "Californication", a comienzos de 1999, y se decidió que "Scar Tissue" sería el sencillo que encabezaría el álbum.

Californication fue lanzado el 8 de junio de 1999, debutando en el puesto 5 pero luego alcanzando el puesto 3 del Billboard 200. En el resto del mundo, el álbum alcanzó el puesto 5 del Top 40 británico, el puesto 1 de la lista de éxitos finlandesa, austríaca, sueca y neozelandesa, y el puesto 2 del Top 40 francés. Fue certificado "oro" el 22 de julio de 1999, y sus ventas posteriores lograron una certificación "multi platino" en cinco ocasiones. El álbum entra en las listas antes de que salga a la venta, gracias a "Scar Tissue", que estuvo 16 semanas en el nº 1 de Billboard Modern Rock Chart. Scar Tissue ganó un grammy por la mejor canción de rock. El álbum deja canciones como "Californication" o "Otherside", que fueron nº 1 en el lista billboard de canciones de rock modernas. Otros sencillos de promoción del álbum fueron "Around The World", "Road Trippin" y "Parallel Universe". Con el regreso de John Frusciante en la guitarra los Red Hot Chili Peppers recuperaron su aceptación crítica y tras su anterior trabajo de menor popularidad, One Hot Minute, obtuvieron un gran éxito comercial a nivel mundial, vendiendo 15 millones en el mundo, siendo el álbum de la banda más vendido hasta la fecha.

Posteriormente al lanzamiento de Californication, la banda comenzó un tour de promoción del álbum, que comenzó en los Estados Unidos. Para terminar con la gira estadounidense se le pidió a los Chili Peppers que cerraran Woodstock '99. La banda estaba informada antes de que llegaran que había muchedumbres fuera de control y fogatas en el campo, y todo esto se intensificó cuando los Chili Peppers tocaron la canción de Jimi Hendrix "Fire" para cerrar su repertorio. El show se interrumpió debido a la violencia, cuando varias mujeres fueron violadas y la propiedad cercana fue destruida y saqueada. Para iniciar el tour por Europa, la banda realizó una actuación gratis en la Plaza Roja de Moscú, el 14 de agosto de 1999, frente a 200.000 personas, siguiendo con la gira, el grupo hizo un show en Nueva York, en el Big Day Out en Australia y en Japón. Flea comenzó a sentir que no podía continuar la gira por lo que la banda no realizó algunos conciertos. Como una de las últimas actuaciones realizadas antes del lanzamiento de By the Way, los Chili Peppers tocaron en Rock in Rio 3, dando fin a la gira. En 2001 producen su primer DVD en directo, llamado Off The Map, y producido por su viejo amigo, ****Rude, que combina secuencias de distintos conciertos de la gira norteamericana.

By The Way (2002-2005) [editar] Artículo principal: By The Way

En noviembre de 2001 volvieron a los estudios californianos, para sacar el 9 de julio de 2002 el álbum By the Way. Este es el disco más pop, prescinde de los ritmos de fusión que les hicieron tan famosos a principios de los noventa. El primer sencillo del álbum fue "By The Way", que fue nº1 del Billboard Modern Rock Charts durante 14 semanas, convirtiéndose en la segunda canción hasta el momento que más tiempo duró en el nº1 de esta lista tras "Scar Tissue". La promoción del disco continuo con el 2º sencillo del álbum, la canción fue "The Zephyr Song". "Can't Stop" fue el tercer sencillo del álbum y el segundo (y último) en alcanzar el nº1 de rock moderno de billboard. Otro sencillo del disco fue "Universally Speaking". Gracias a este disco se lograron dos galardones en los MTV Europe Music Awards: al mejor directo y al mejor grupo de rock. Y también se llevaron una lengua en los MTV Video Music Awards Latinoamérica como mejor artista de rock internacional. El disco lleva vendidas unas 9 millones de copias en el mundo En 2003 lanzaron a la venta Greatest Hits, álbum recopilatorio que contenía 14 clásicos y dos canciones nuevas ("Fortune Faded" -sacada en sencillo- y "Save The Population"). Los fans recriminaron que canciones como "Can't Stop", "Around The World" o muchas canciones de su famoso Blood Sugar Sex Magik no estuvieran en este recopilatorio. También se editó un DVD llamado Live At Slane Castle que fue grabado en Irlanda. En 2004 sacaron a la venta su primer álbum en directo, llamado "Live in Hyde Park", que constaba de dos CDs.

Stadium Arcadium (2006-2007) [editar] Artículo principal: Stadium Arcadium La banda en un concierto en Estocolmo, Suecia.

Tras tanto tiempo esperando un nuevo disco de la banda, en mayo de 2006 sale a la venta el álbum Stadium Arcadium, un trabajo doble con 28 canciones. El disco fue presentado en Bilbao, en el museo Guggenheim, con un concierto para unas 500 personas. Su primer sencillo es "Dani California" es su canción de reenganche a la escena del rock, con un videoclip transformista en el que Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith dan vida a Elvis, los Beatles, Bowie, George Clinton y Parliament-Funkadelic, Sex Pistols, Prince, Nirvana, Iggy Pop y Mötley Crüe. La canción está 14 semanas en el nº1 de billboard modern rock charts (Igualando a "By The Way") y llega al nº 6 del Billboard Hot 100, la 2ª mejor canción en esta lista desde con el éxito "Under The Bridge".

El siguiente sencillo del álbum fue "Tell Me Baby", que también llegó a lo más alto de las listas internacionales. "Snow (Hey Oh)", tercer sencillo del álbum continuó siendo un éxito en todas listas, y, gracias a los primeros tres sencillos del álbum, consigueron por primera vez que la banda consigue tres nº1 seguidos en el Billboard Modern Rock Chart. "Desecration Smile", cuarto sencillo del álbum, es lanzado internacionalmente y llega al nº 27 en la lista de éxitos británica. Hump De Bump, fue lanzado para Norteamérica y Australia primeramente, el 7 de abril, siendo lanzado internacionalmente el 10 de mayo. "Charlie" es el siguiente sencillo de Stadium Arcadium. Se hace un concurso para que los fans crearan videos para la canción. Esto fue anunciado en el canal de la banda por youtube el 6 de marzo. Desde su lanzamiento, el disco lleva más de siete millones de copias alrededor del mundo (sólo en la primera semana vendió más de un millón de copias). La banda es una de las triunfadoras en la entrega de los grammys, ya que ganan 4 premios, como el de mejor álbum de rock ('Stadium Arcadium), mejor canción de rock ("Dani California"), mejor productor (Rick Rubin) y mejor presentación o edición limitada ("Stadium Arcadium"). Durante la gira del álbum los acompaña Josh Klinghoffer, como guitarrista y voces secundarias en algunos temas. La banda hizo la gira de Nueva Zelanda y Australia con él. El 7 de julio de 2007 actúan en el concierto "Live Earth", en Londres, donde también se puede ver a Josh tocando con el grupo.

Próximo Álbum (2009-...) [editar]

De acuerdo con las palabras de Chad Smith, el baterista de la banda, "nos estamos tomando un pequeño descanso, relajándonos. Hemos estado de gira durante 1 año y medio, ahora es tiempo de estar con la familia, y después recargarnos y volver juntos este año para crear música juntos."

Recientemente, Anthony Kiedis declaró en la revista Rolling Stone que por el momento, y a lo largo de todo este año no se sabrá de los Red Hot Chili Peppers, porque no habrá vida de la banda durante un buen tiempo; en un principio pararían solamente un año.

"Por el momento ya no somos una banda", señaló Kiedis. "Nos llevó mucho tiempo hacer Stadium Arcadium (editado en 2006). Fue muy duro, ha sido un gran tirón que se sumó a dos tirones previos muy largos como Californication y By The Way, comentó.

"Realmente no paramos nunca hasta que terminó el tour el año pasado. Estábamos emocional y mentalmente quemados después de aquél esfuerzo", continuó Kiedis y luego remató: "la discusión fue: ´no hagamos nada relacionado con Red Hot Chili Peppers durante un año como mínimo. Dediquémonos a vivir, respirar, comer y aprender cosas nuevas".

Respecto de en qué va a gastar su tiempo libre, Kiedis explicó que por ahora sólo se quedará en su casa, "dedicandome a mi hijo pequeño, aprendiendo a surfear. Pero ya me está empezando a picar el gusanillo que dice que sería lindo pensar en canciones nuevas y en componer trozos de canciones. Pero son sólo eso, trozos".

Sin embargo, Flea entró a la USC a mediados de 2008 y dejó en claro que los Red Hot Chili Peppers se encuentran con un descanso mayor al previsto, el cual ahora es de dos años. "De verdad necesitamos dos años. Estuvimos trabajando muy duro, y sin pensar en nada más durante mucho tiempo. Necesitamos alejarnos de eso y tener una perspectiva clara de las cosas". También afirmó que actualmente no sabe que sucederá luego de estos dos años.

Hannah Montana es una Serie Original de Disney Channel y nominada los Premios Emmy, estrenada el 24 de marzo de 2006 en Estados Unidos y el 11 de noviembre en Latinoamérica. Ascendió a ser una de las series más vistas del canal, compitiendo con Es Tan Raven. La banda sonora fue una de las más vendidas en el año 2006. La diferencia de Hannah Montana con otras series de Disney Channel, es que la serie se aleja totalmente del humor tradicional del canal, que tiende a usar el humor físico, y se centra en un humor más psicológico, diferenciándola de Es Tan Raven, que tiene un humor físico-social pesado y Zack y Cody: Gemelos en Acción. La serie tuvo de 7 millones de personas en Norteamérica como rating, este es considerado excelente.

La serie ha sido producida por It's a Laugh Productions, Inc en asociación con Disney. Es filmado en los Tribune Studios en Hollywood, California. La serie rompió records de audiencia para Disney Channel: 7 millones de televidentes en la fecha de estreno. Según el presidente de Disney Channel Entertainment, esa cantidad de personas "fue más allá de nuestros más locos sueños"[1]

La idea original de la serie surgió con el episodio de Es Tan Raven "Goin’ Hollywood", el cual se suponía sería el episodio piloto para un sitcom llamado Better Days, la cual trata de una estrella de televisión tratando de ir a una escuela normal. El episodio New Kid in School es la adaptación del episodio hablado anteriormente. Otros nombres considerados para la serie fueron The Secret Life of Zoe Stewart (La Vida Secreta de Zoe Stewart) que fue descartada por el parecido a Zoey 101 de la cadena Nickelodeon. También fueron pensados The Popstar Life! y Alexis Texas. La anterior finalista de American Junior, Jordan McCoy y la cantante R&B y pop, JoJo (quien rechazó el papel) y una actriz Javiera Cuevas cantante de pop latino americano iba por el rol de Sabrina Castro mejor amiga de Miley quien luego fue remplazada por Emily Osment (Lilly Truscot). [2] Miley Cyrus audicionó originalmente para el papel de la “mejor amiga”,[3] Lilly Romero, quien después de cambió a Lilly Truscott. Pero pensaron que ella sería mejor para el papel principal, por lo que Miley Cyrus intentó para el papel Zoe Stewart/Hannah Montana. El nombre de Zoe Stewart fue cambiado a Chloe Stewart, que eventualmente fue cambiado a Miley Stewart cuando Miley Cyrus obtuvo el papel. Los nombres para la estrella fueron cambiados numerosas veces, inicialmente fue: Anna Cabana, luego Samantha York, Alexis Texas y finalmente Hannah Montana.

En diciembre de 2006, Disney anunció el lanzamiento de productos Hannah Montana, como ropa, joyería y muñecas en determinadas tiendas. Play Along Toys lanzó numerosas muñecas de Hannah Montana, como muñecas de moda, muñecas cantantes y muñecas de Miley Stewart además de otros objetos, en agosto de 2007. Hannah Montana tiene planeado al menos una temporada más de acuerdo a Disney Channel. La filmación de la segunda temporada inició en diciembre de 2006, estrenando en Estados Unidos en abril del siguiente año. Según Jason Earles, toda la segunda temporada ya ha sido filmada. El 9 de abril de 2008 se anunció que Hannah Montana volverá con una tercera temporada en 2008. Contenido [ocultar]

* 1 Popularidad * 2 Trama * 3 Episodios * 4 Tema oficial y Opening de la serie * 5 Actuaciones de Hannah Montana * 6 Personajes * 7 Personajes Secundarios * 8 Doblaje * 9 Mercadotecnia * 10 Discografía o 10.1 Soundtracks o 10.2 Álbums en vivo o 10.3 Otros Álbums * 11 DVDs o 11.1 Volumen 1: Living the Rock Star Life! o 11.2 That's So Suite Life of Hannah Montana o 11.3 Volumen 2: Pop Star Profile o 11.4 Volumen 3: Life's What You Make It o 11.5 Wish Gone Amiss Weekend o 11.6 Volumen 4: One in a Million o 11.7 Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Wolrds Concert o 11.8 Hannah Montana Season 1 o 11.9 Hannah Montana DVD Game * 12 Videojuegos * 13 Películas o 13.1 Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert o 13.2 Hannah Montana: La Película * 14 Curiosidades * 15 Canciones en los Episodios * 16 Los episodios nunca mostrados de Hannah Montana * 17 Ratings * 18 Estrenos fuera de EE.UU. * 19 Estrenos fuera de EE. UU. Segunda Temporada * 20 Véase también * 21 Referencias * 22 Enlaces externos

Popularidad [editar]

En adición a los altos ratings de la serie de televisión y los conciertos, Hannah Montana se ha vuelto extremadamente popular. Todas las entradas para todos los conciertos se han vendido, incluso luego se han re-vendidos por gente en Internet por miles de dolares. Es popular en casi todo América. [4] La serie atrae mucho la atención, ejemplo es el gobernador de Illinois, Rod Blagojevich quien admitió haber visto todos los episodios.Mas sino fuerese por el grupo de las divas stars compuesto por:Alexia,Andrea,Jeannette,Lupita,Oscaira,Vashti y Yessenia no sería nada de nada pero esos según las investigaciones,son casos profesionales de la serie.[5]

Trama [editar]

La serie se sitúa en Malibú, California, donde vive Miley Stewart, una chica (14 años en la primera temporada, 15 años en la segunda temporada) que no es popular, junto con su hermano Jackson y su padre Robby, que es productor de música, en una casa frente a la playa. Pero Miley tiene un secreto que nadie sabe excepto su familia y sus dos mejores amigos Lilly y Oliver (también posteriormente Jake Ryan). El secreto en cuestión es que Miley es en realidad la super estrella del momento Hannah Montana, y nadie tiene idea de que Hannah Montana es realmente una chica normal y corriente nacida en Tennessee. Gracias a que Hannah se maquilla; se viste con ropa bastante llamativa, muy distinta a la que suele usar cuando es Miley; se pone una peluca rubia, cuando ella en realidad tiene la melena castaña, le permite vivir una doble vida, poder ir al colegio y hacer una vida normal como cualquier chica de su edad. Muchas veces se tiene que disfrazar de Hannah Montana para resolver los problemas de Miley. Cada episodio involucra los problemas de ser una adolescente, y diversos conflictos que se resuelven con la lección aprendida al final de cada capítulo

Episodios [editar] Artículo principal: Anexo:Episodios de Hannah Montana

Tema oficial y Opening de la serie [editar]

El tema oficial del show se llama "The Best Of Both Worlds" ("Lo mejor de ambos mundos"). Escrita por Matthew Gerrard y Robbie Nevil, es interpretada por Miley Cyrus ó Hannah Montana. La versión oficial dura 2:54 (minutos/segundos) en longitud, era incluida en el Soundtrack, lanzado en octubre de 2006. Para la versión de la TV del tema, que dura solamente 50 segundos, los stanzas uno y dos y los stanzas siete y ocho fueron utilizadas.

La secuencia del Opening de la serie es el escenario de los conciertos de Hannah Montana igual al que se brinda cuando ponen partes de sus canciones. Se muestran imágenes y videos de los miembros del cast incluidos en algunos capítulos.

El logotipo de la serie aparece al principio y al final del opening también se nota que al principio del opening Miley se transforma en Hannah.

Actuaciones de Hannah Montana [editar]

* Hannah Montana: En Londres * Hannah Montana & Miley Cyrus:En Concierto Lo Mejor de Dos Mundos * Hannah Montana & Miley Cyrus:Best of Both Worlds Tour * Hannah Montana:La Película

Personajes [editar]

* Miley Stewart /Hannah Montana:

Interpretada por Miley Cyrus, es una chica muy sarcástica, sincera, graciosa y agradable que se la pasa metiéndose en varios problemas que termina solucionando con la ayuda de Hannah. Ella vive una vida normal en Malibú, California, junto con su familia y amigos. Asiste a la escuela secundaria: "Seaview Middle School" donde también van sus amigos. Pero el secreto que nadie sabe excepto su familia y amigos es que ella es Hannah Montana, la estrella pop del momento. Nadie lo descubre porque Hannah usa ropa muy diferente a la que suele usar Miley, y además porque cuando quiere ser Hannah usa una peluca rubia.Pero llega un momento esencial en la serie que se enamora de Jake Ryan Cody Linley, se vuelve su novia y le cuenta su secreto en el episodeo "No rompas mas el corazón de Jake" 2da parte.En la serie también es enemiga de Mikeila Selena Gomez y de Amber y Ashley.Nunca resiste estar mucho tiempo con ellas.Viene de Tennesse junto con su familia por lo tanto siempre usa frases graciosas.

* Lillian "Lilly" Truscott:

Interpretada por Emily Osment, es una chica graciosa, bastante despistada e inocente. También usa con frecuencia el sarcasmo y no es precisamente una santa. Ella al igual que Hannah, tiene doble identidad, pues en la serie, Lilly es la mejor amiga de Miley, pero cuando Lilly tiene que estar con Hannah, usa el nombre de Lola. Suele usar varias pelucas de color violeta, celeste, naranja, rosado y más reciente, de color blanco. Hannah Montana dice que su amiga Lola es su amuleto de la suerte a la hora de cantar. Por eso Hannah le dedica "True Friend" en el episodio "Los puños nos mantendrán unidas". Oliver Oken interpretado por Mitchel Musso en la serie Hannah Montana

* Oliver Oscar Oken:

Interpretado por Mitchel Musso, Oliver es el mejor amigo de Miley y de Lilly. Es un chico muy agradable, gracioso y Miley, lo quiere como un hermanito, igual que a Lilly. Estaba enamorado de Hannah Montana durante los primeros dos episodios hasta que él descubre que Hannah Montana es realmente su mejor amiga, Miley, después de saber el secreto de Miley, no le atrae ni Hannah ni Miley, desde que sabe esto quiere ir con Hannah y con Lola. Así que en la segunda temporada se puso también otra identidad, se llama Mike. Por eso Hannah le dedica "You and me Together" en el episodio "Aprendiendo a Confiar".

* Jackson Rod Stewart:

Es interpretado por Jason Earles. Jackson es el hermano mayor de Miley Stewart, un alocado joven enamoradizo que siempre intenta conquistar a diferentes chicas. Incluso posee un automóvil de mujer que luego su padre modificó para que pareciera un poco más varonil. Trabaja en la tienda de playa de Rico. El hijo del Sr. Rico, Rico Jr. siempre lo manipula y molesta. El nombre Jackson es por su verdadero nombre: Ja(ck)son.Pero hay veces que no recibe el mismo trato que Miley mas el siempre esta contento con su vida.Y casi siempre por culpa de Rico fracasa pero el se hace el muy galan y se fija mucho en las chicas.Y actúa como empleado de Hannah Montana.

* Robbie Ray Stewart:

Interpretado por Billy Ray Cyrus, es el manager, padre y compositor de Hannah Montana. A pesar de que el dinero de la familia es gracias a las actuaciones de Hannah y de él, Robbie no la trata precisamente como una estrella del pop. Es muy estricto pero les quiere mucho y quiere proteger tanto a Miley como a Jackson.Aunque a veces trata a Jackson muy raro y lo culpa de cosas que hizo o no.Su disfraz es un bigote falso y siempre se apasiona por su pelo.

* Rico:

Moises Arias, es el hijo del dueño de Rico's y el archi-enemigo de Jackson. En la primera temporada tiene un rol secundario, pero actualmente en la segunda temporada la inteligencia de Rico hace que lo salten hasta la preparatoria y lo ubican en el mismo salon de Miley por lo que ya es uno de los principales con su nombre en los títulos de entrada. En la segunda temporada, Rico toma una fotografía de Miley abrazando a "Barry Barrigon", su oso de peluche, y le dice a Miley que ya sabe su secreto, y ella cree que tiene una fotografía de ella demostrando que es Hannah Montana y por eso la obliga a ser su novia para ser más popular y porque le gusta Miley. Hay un capitulo nuevo, donde el llega a saber, que Hannah, es realmente Miley.

* "El Puma"Roxy:

Es la guarda-espaldas favorita de Hannah Montana, sabe el secreto, pero es muy discreta y no lo comenta, es alegre, pero fuerte, sabe defender a los suyos, cuida muy bien a Miley de todo y es muy apegada a la familia Stewart. En latinoamerica suele terminar las frases diciendo "y recuerden Roxie es un PUMA"

* Jake Ryan:

Cody Linley, su primera aparición en Hannah Montana es en el capitulo en el que este iniciaba la escuela en la que iba Miley. Es el gran amor de Miley y se enamora de ella (ya que esta lo ignora por completo cuando llega a la escuela) y ella también se enamora de él. Luego de meses se dan su primer beso en un capitulo donde los dos se sacan celos, pero Jake tiene que ir a filmar una película en Rumanía. En la segunda temporada llega vestido de smokin en paracaídas entregándole una rosa a Miley y jurándole amor eterno, Miley y Jake son novios pero terminan. Él sabe que Miley es Hannah Montana, porque ella misma se lo confesó como se había dicho antes. En la tercera temporada son amigos pero luego vuelven a ser novios.

Los Stewart, son una familia de ricos, gracias a Hannah y a Robbie, pero no lo dicen, por temor a ser como Amber y Ashley. Robbie, no les da mucho dinero a sus hijos, porque esta en el banco, además, él quiere que sus hijos sean responsables.

Personajes Secundarios [editar]

* Amber Addison:

Interpretada por Shanica Knowles. Es la chica rica más popular del colegio y muy buena cantante. Está muy preocupada por su imagen ya que su infancia la pasó siendo insultada por sus compañeros a causa de ser fea, y por ello lo paga con los demás y con Miley ,Lilly y Oliver, a quienes molesta cuando puede.

* Ashley Dewitt:

Interpretada por Anna Maria Perez de Tagle, Es la mejor amiga de Amber y siempre la sigue en sus planes, a veces manejada por su amiga. Es un poco torpe, y rica al igual que su amiga.La diferencia es que ella no sabe cantar.

* Mr. Corelli:

Francis Corelli es el profesor de la clase de Miley, Lilly y Óliver.

* Sarah:

Es compañera de Miley y sus amigos. Está un poco loca, pero muy preocupada por la naturaleza y por los animales ya que es ecologista. Es muy inteligente. Oliver y Rico llegan a estar enamorados de ella. Interpretada por Morgan York.

* Traci Van Horne:

Es amiga de Hannnah Montana. Una glamorosa chica siempre esta en las fiesta de los famosos, esta a la moda. Detesta a Lola (Lilly) porque piensa que es muy sosa.

* Karen Kunkle:

Profesora de Jackson de biología. Es muy estricta con sus alumnos. Llega a mantener una relación con Robbie en la 2da temporada.

* Cooper:

Es el mejor amigo de Jackson en la primera temporada. Sabe hacer pasteles y tortas pero eso le avergüenza ya que piensa que es trabajo de mujeres.

* Thoor:

Es el mejor amigo de Jackson en la segunda temporada. Es gordito y muy torpe ya que viene de otra ciudad pero Jackson, aunque no lo demuestre, lo quiere mucho. Como vivía en la granja, sus actitudes a veces son un poco vergonzosas.

* Joannie Palumbo:

La rival de Lilly, juega muy bien al fútbol. Aun así, una vez perdió una apuesta con Lilly, y le cortaron la mitad del cabello como prenda. Llego a salir con Oliver y ser amiga de Lilly, por lo tanto, pone celosa a Miley en la 2da. temporada.

* Johnny el Casposo:

Niño de la primera temporada, compañero de Miley. Su pelo esta lleno de caspa y se sacude su cabello para que esta le llegue a la gente.

* Dylan Ryan:

Aparece como hermano de Jake Ryan (Cody Linley) en los dos últimos episodios (aún no estrenados).

* Max:

Es posiblemente el mejor amigo de Jackson cuando pasa a la secundaria. Interpretado por Teo Olivares.

Doblaje [editar]

* Miley Stewart/Hannah Montana : Samantha Dominguez * Lily Truscott : Mitzi Corona * Jackson Stewart : Javier Olguin * Robby Ray Stewart : Mario Castañeda * Oliver Oken : Abraham Vega * Sarah : Alondra Hidalgo * Rico : Manuel Diaz * Thor : Cerzar Garduza * Cooper : Víctor Ugarte * Amber Addison : Gaby Ugarte * Ashley Dewitt: Cecilia Gómez (Temporada 2) * Donny : Diego Armando Nieves

Créditos Técnicos

* Estudio de Doblaje: Diseño en Audio S.A. de C.V., México D.F. * Director: Arturo Mercado Chacón * Traductor Adaptador: Luz María Mohar * Director Creativo: Raúl Aldana * Doblaje al Español producido por: Disney Character Voices International, Inc

Mercadotecnia [editar]

Para Latinoamérica salió un álbum de Hannah Montana a cargo de "Imagics", la que realizó el álbum de High School Musical y High School Musical 2.

Discografía [editar]

Soundtracks [editar]

* 2006: Hannah Montana * 2007: Hannah Montana 2:Meet Miley Cyrus * 2008: Hannah Montana 3

Álbums en vivo [editar]

* 2008: Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert

Otros Álbums [editar]

* 2006: Hannah Montana (Holiday Edition) * 2007: Hannah Montana (Special Edition) * 2007: Hannah Montana: Disney's Karaoke Series * 2007: Hannah Montana 2: Rockstar Edition * 2008: Hannah Montana 2:Non-Stop Dance Party * 2007: Hannah Montana 2: Disney's Karaoke Series

blink-182 fue una banda de pop punk[1] [2] [3] formada en 1992 por Tom DeLonge, Mark Hoppus, Scott Raynor en Poway, San Diego, California.

La banda fue conocida por su humor satírico y escatológico (conocido en inglés como toilet humor), con letras típicas de la adolescencia tales como chicas, relaciones sexuales y masturbación. El lanzamiento de su primer álbum en 1994, Cheshire Cat, coincidió con el éxito del resurgir punk californiano y del lanzamiento en ese mismo año de discos clásicos del boom de la costa oeste como Dookie, de Green Day; Smash, de The Offspring o Punk in Drublic, de NOFX. Las influencias de la banda, según los propios Hoppus y DeLonge fueron NOFX, The Cure, Dinosaur Jr., The Descendents y Screeching Weasel.[4] Con la llegada de Barker a la batería, la banda alcanzó una música y letras más madura, como se demostró en uno de los proyectos paralelos de DeLonge y Barker, Box Car Racer. Contenido [ocultar]

* 1 Historia o 1.1 Orígenes o 1.2 Expulsión de Raynor o 1.3 Éxito internacional o 1.4 La Ruptura * 2 Discografía o 2.1 Álbumes de estudio o 2.2 Demos y EP's o 2.3 Sencillos o 2.4 Cassettes Demo o 2.5 DVDs singles o 2.6 DVDs oficiales de la banda o 2.7 DVDs relacionados con la banda * 3 Ex Miembros * 4 Referencias * 5 Véase también * 6 Enlaces externos

Historia [editar]

Orígenes [editar]

La banda nació en 1992, en los alrededores de San Diego, concretamente en Poway, donde Tom DeLonge y Scott Raynor conocieron a Mark Hoppus, un chico de Ridgecrest, California, lugar a donde fue proveniente de Washington, DC.[5] Los tres decidieron formar una banda. Tras haber considerado un número de nombres, como “Duct Tape” (Cinta para cañerías), acordaron llamarse simplemente Blink. Bajo este nombre, el 27 de Abril de 1993, Blink lanzó un EP conocido como Flyswatter (Matamoscas). Este demo fue grabado usando un boombox,un grabador casero, en la habitación de Scott, así se explica la pobre calidad del sonido.

Antes del final de ese año, la banda realizó otro demo cassette conocido como 'Buddha', lanzada por Filter Records. En la grabación se incluyó "The Girl Next Door", cover de la banda de punk Screeching Weasel. Tras el lanzamiento de esta demo, la banda se vio envuelta en una polémica con una banda techno de Irlanda, que aseguraba tener el copyright del nombre de la banda, Blink. Para evitar males mayores, el trío decidió añadir el número 182. Muchas teorías sobre el origen del nombre y, sobre todo del 182, surgieron entre el público. Una de ellas, la más célebre y difundida es la que asegura que 182 es el número de veces que Al Pacino dice la palabra ****en Scarface (El precio del poder).[6] Sin embargo, la banda ha reiterado en varias ocasiones que el número no significa nada en especial, que fue escogido al azar.

La banda comenzó a hacerse un nombre en la escena punk rock de principios de los 90, que vivió su auge particular en 1994, con los lanzamientos de tres de los discos más importantes del punk rock moderno: Dookie, de Green Day; Smash, de The Offspring y Punk in Drublic, de NOFX. La banda conoció a los veteranos The Vandals durante un concierto con Unwritten Law, y ayudaron a blink-182 a emerger con fuerza en la escena punk de San Diego gracias a que Vandals los incluyeron en muchos de sus conciertos.[7] Más tarde, Blink 182 se lo recompensó relanzando su viaje demo y remasterizada Buddha mediante Kung Fu Records, sello de Joe Escalante y bajista de Vandals. Además, la banda apareció en multitud de videos promocionales de surf, skate y snowboard. Precisamente, una compañía australiana de ropa de estos deportes, Billabong, (una de las más importantes del mundo hoy en día) comienza a patrocinar a la banda.[8] También, uno de los primeros logos de la banda era una B, lanzada conjuntamente por Blink 182 y Billabong aprovechando el juego de comenzar sus nombres por la misma letra.[9]

En 1994, la banda, ya como Blink 182, fichó por Cargo Music, sello independiente de punk rock de San Diego, para lanzar su primer álbum de estudio, llamado Cheshire Cat, lanzado con Grilled Cheese Records, filial de Cargo. El álbum contenía varias nuevas versiones de las canciones que aparecían en Buddha y sus singles "M+M's" y "Wasting Time", además de otras canciones muy populares en los conciertos de la banda como Carousel.

Antes de embarcarse en su nuevo álbum, la banda participó en el Warped Tour de 1996 junto a bandas como NOFX y Pennywise.[10] Después de mudarse a Encinitas, California, la banda fichó por MCA Records para grabar Dude Ranch con el productor Mark Trombino y lanzado a la vez por MCA y Cargo (sería su último material con Blink 182). El álbum fue un éxito cuando los dos singles Josie y Dammit ascendieron a la cima de las listas de éxitos estadounidenses y el disco lograse el disco de platino.

Expulsión de Raynor [editar]

La banda estaba viviendo sus mejores momentos, cuando en 1998, surgió un contratiempo dentro de la banda. Scott Raynor dejó de ser el baterista de Blink 182. Aún hoy en día sigue siendo un verdadero misterio el detonante de la marcha de Raynor, que tenía un serio problema de alcoholismo.

Hay dos teorías que son las que más se han difundido sobre ello. La primera, que fue expulsado de la banda por DeLonge y Hoppus. Scott Raynor aseguró en una entrevista que Tom y Mark le dieron una oportunidad para tratarse en un centro de rehabilitación. Scott, al principió rechazó esa idea convencido de no necesitarlo pero pidió un fin de semana para pensarlo, hasta que volvió a emborracharse y decidió ir a ese centro. Cuando el baterista llamó a Tom y Mark, fueron estos los que le dijeron que ya era tarde, que estaba expulsado.[11]

Otra de las teorías, aunque menos probable, es que Scott dejó la banda para retomar sus estudios. Es cierto que el ex-baterista de Blink 182 volvió al instituto, pero no está claro que fuese él mismo quien dejase la banda por este motivo.[12] De todas formas, tanto Tom, como Mark han guardado silencio sobre la marcha de Scott durante toda la trayectoria de la banda.

Posteriormente se demostró que se expulsó a Scott para obtener mejores ganancias y más éxito de cara a un público más amplio; debido al fichaje por la nueva discográfica. Pronto se reveló que el fichaje de Barker fue una causa directa de la separación de la banda, en la que tres músicos distintos con gustos diferentes intentaban tocar en un grupo.

Éxito internacional [editar]

Tras la marcha de Scott Raynor, se produjo un antes y un después en la trayectoria de la banda, con la llegada de Travis Barker, ex-baterista de la banda de ska punk The Aquabats, la banda comenzó su progresiva incursión en el mainstream y su repentino éxito mundial con Enema of the State. Blink 182 conoció a Travis Barker durante un concierto de la banda de éste, The Aquabats, en 1998. Travis, fue invitado a tocar con Blink 182 y, tras aprenderse en 45 minutos el set que la banda iba a tocar, Mark y Tom decidieron ficharle para la banda.[13] A finales de 1998, la banda con su nuevo baterista entró en los DML Studios de San Diego para grabar Enema of the State que fue lanzado en 1999 por MCA Records y producido por Jerry Finn, autor de dos de los discos más importantes de la revolución Punk pop californiana de principios de los 90, ...And Out Come the Wolves, de Rancid y About Time, de Pennywise.

MTV y TRL no pararon de recibir pedidos gracias a los hits What's My Age Again, All The Small Things y Adam's Song, que rápidamente coparon las listas del Billboard. También llegaron los premios: los Teen Choice, Blockbuster Music Award y los MTV Video Music Awards del 2000, donde ganaron el premio Mejor Video de un Grupo por "All the Small Things". Para algunos aficionados de la banda (los anteriores a Enema of the State, es decir, los comienzos), ésta perdió la mayoría de su credibilidad en la escena punk y empezaron a tildarlos de "poseurs" (falsos) o comerciales, porque ganaron fans "teenyboppers" (adolescentes consumistas) y compartían popularidad con *NSYNC, Backstreet Boys y muchos otros artistas Pop; aunque éstos mismos eran a los que criticaban en sus videoclips y canciones, como en el video de All The Small Things. Además, para más inri de los fans originales, la banda comenzó también a copar las portadas de las revistas musicales como Rolling Stone, Alternative Press (dos veces), y no musicales como Teen People, Teen y CosmoGirl.[14] Y es que en ese momento Enema of the State había despachado más de cuatro millones de copias en Estados Unidos.[15]

Tom y Mark comienzan a involucrarse en diversos negocios. Crean una página web de venta de ropa skate, surf y snowboard, Loserkids.com. Ambos, reconocen que antes de crear la banda, eran unos amantes del skate y el snowboard. Mark asegura que somos del sur de California y estamos fuertemente influenciados por la comunidad surfera y skater. Ninguno de nosotros surfeamos muy bien, es muy difícil. Crecimos haciendo skate y snowboard cuando podíamos. Estamos muy involucrados en esta comunidad.[16] Reciben el patrocinio de Hurley, otra compañía surfera como en su tiempo lo hicieron con Billabong. El propio presidente y fundador de Hurley, Bob, sólo tiene palabras de agradecimiento a la banda de San Diego por su apoyo a la compañía: "Algún día, cuando muera y ojalá vaya al cielo, voy a preguntarle a Dios: Hey, ¿cuantas ventas hizo Blink para Hurley? Por que creo que fueron muchísimas."[17] En 2001, ambos crearon Atticus y Macbeth Athletics, compañías de ropa influida por el surf, el skate y la música.

El éxito de Enema of the State se tradujo en un disco en directo en The Mark, Tom, and Travis Show: The Enema Strikes Back, donde incluyeron una canción inédita, Man Overboard, y un repaso a lo que llevaban de trayectoria, con especial hincapié al exitoso Enema, como bien indica el subtítulo del álbum, The Enema Strikes Back (El Enema golpea de nuevo). Hubo cierta polémica con el single de este disco, Man Overboard, ya que en diversas publicaciones se teorizaba sobre una supuesta dedicatoria subliminal a Scott Raynor, pero la banda nunca se pronunció al respecto.[18] [19]

En 2001 la banda lanzó Take Off Your Pants and Jacket, cuarto álbum de estudio, que siguió las mismas fórmulas básicas que Enema Of The State. Blink apareció en la portada de "CosmoGirl" y ganó un "Nickelodeon Kid's Choice Award", a la vez que sus singles The Rock Show, First Date y Stay Together for the Kids volvían a colarse en las listas de éxitos de Billboard.[20] En ese momento, comienzan a surgir proyectos paralelos a la banda, como Box Car Racer y The Transplants. Ya en Box Car Racer, Tom demostró su deseo de una música más madura y comprometida con los sentimientos de las personas que con las pasiones juveniles. En este mismo año, MTV le concedió el premio al Mejor grupo de Rock del año.

Blink 182 hizo su quinto disco, autotitulado blink-182, y que venía precedido de rumores sobre crisis en la banda, posible ruptura y la sombra de sus nuevas influencias en el sonido ya experimentadas con Box Car Racer. La banda debutó con el single Feeling this , en la línea de sus anteriores temas, pero sorprendió con canciones como I Miss You, Down y Always, más maduras y que confirman el cambio de sonido y tendencia de la banda, lo que no sentó muy bien a sus fieles y que le sirve para lograr otros adeptos más alejados del humorístico punk pop que les caracterizaba. Si bien mucha gente creyó que el álbum tiene el nombre de la banda, los miembros de la banda confirmaron que dejaron el álbum sin título para representar un Blink totalmente nuevo. Otra prueba más del cambio definitivo de sonido e identidad es la inclusión de la colaboración de Robert Smith, líder de The Cure, que contribuyó en el tema All of This. A mediados de 2004 realizaron un tour con No Doubt y después decidieron hacer una gira por Irlanda y así visitar a sus una vez enemigos, Blink.

La Ruptura [editar]

El 21 de febrero de 2005, la banda anunció que no iban a poder tocar en el concierto de "Music For Relief" a beneficio de las víctimas del tsunami de Asia del Sur ocurrido en 2004, y que se iba a celebrar en Anaheim, California, debido a que no estábamos en un buen momento para tocar en directo, necesitábamos un descanso, según Travis Barker.[21] Al día siguiente fue declarado en el sitio oficial de la banda que ellos se tomarían un descanso indefinido para poder así estar más tiempo con sus familiares y amigos.

Como lo confirmaron en una entrevista mantenida con Mark Hoppus, él y Travis Barker estaban trabajando en un proyecto alterno llamado +44, en referencia al código de marcado internacional para dirigirse a Inglaterra, en el cual contaban con la participàción de Carol Heller (de la banda punk californiana Get the Girl). Ella pronto se separó del grupo y debido a esto Mark y Travis metieron a dos nuevos guitarristas.

Travis Barker fue entrevistado varias veces desde la decisión del descanso. Ha dado muchas respuestas variadas que ha confundido a los fans y a los medios. En una entrevista reciente con la revista Drum! Magazine, Barker dijo que le banda probablemente haría un disco en enero del 2006. De todas maneras, también dijo varias veces que Blink 182 no existía más. En agosto del 2005 le dijo a la revista Kerrang: Estar en The Transplants es un paso adelante para mí. Estoy en una banda con dos tipos a los que les encanta hacer música, y eso es mucho más que lo que puedo decir de un Blink 182 cerca del final.

Mark Hoppus, en una entrevista para b182.com en agosto de 2006, aseguró que la crisis de la banda se vio forzada por un descanso de 6 meses que Tom quería para pasar con su familia. Según Hoppus, fue el manager quien les explicó el descanso que necesitaba Tom y la cancelación de la gira europea. Todos queremos estar con nuestras familias, pero al mismo tiempo éste es nuestro trabajo. Tom nos dijo que necesitaba al menos seis meses de descanso, aceptamos y volvimos a casa. Tras los sucesos del tsunami, la banda acordó hacer el concierto benéfico mencionado anteriormente, pero Hoppus afirma que en uno de esos ensayos para el concierto, salió la conversación del nuevo álbum de la banda y que DeLonge dijo que en el próximo disco él sólo grabaría en su casa de San Diego. No iba a viajar a Los Ángeles, él no iba a viajar a ningún sitio para grabar. Quería que Travis y yo grabásemos nuestras partes en Los Angeles como queríamos y entonces enviarle los archivos del pro tools a San Diego para que él trabajase en ello. En esa misma entrevista, el ex-bajista de la banda afirma que Blink 182 se acabó de una manera muy triste: Así es como acabó, tras 13 años de compartir banda, cientos de conciertos, incontables giras y siete discos grabados, Tom no llamó para dejar la banda, lo hizo su manager.[22]

Tom DeLonge dio su propia versión de la ruptura de la banda y reveló que todo se inició con Box Car Racer: Mark no se lo tomó nada bien. Yo no tenía intención en hacer Box Car una prioridad, pero fue algo que le dolió realmente, no lo entendía. Travis y yo no podíamos hablar nunca con Mark, no eramos los amigos que habíamos sido. El otro motivo es que después de toda la mierda que Mark decía sobre Box Car, él y Travis comenzaron a hablar sobre +44 en nuestra última gira. Yo no me di realmente cuenta hasta que lo vi publicado en una revista. A su vez, el propio DeLonge no tardó en anunciar su nuevo proyecto, Angels & Airwaves, el cual definió como la mayor revolución del rock de esta generación.[23] La frase dio que hablar. En una entrevista, y siendo preguntado por el por qué de esta ya célebre frase, DeLonge contestó que sabía que debía presentar mi música de una manera totalmente distinta, con tecnología y videos. Y todo, el trabajo artístico, el marketing y lo que hicimos con este grupo es distinto de lo que hicieron otras bandas..[24] El 1 de noviembre de 2005, la banda lanzó el Greatest Hits, álbum que repasa lo mejor de la carrera del grupo a lo largo de sus 13 años.

Linkin Park es una banda Rock Alternativo estadounidense. La banda desde sus inicios ha demostrado gran actitud en la música al mezclar variados estilos, como el nu metal combinado con el rapcore aunque siempre con un sonido muy alternativo. En su último disco Minutes To Midnight el género que más predomina es el rock alternativo. La banda ha vendido más de 60 millones de discos y ha recibido 2 premios Grammy.[1] [2] El grupo se hizo famoso gracias a su disco debut Hybrid Theory. Su nombre hace homenaje al Lincoln Park de Santa Mónica, EE.UU. Contenido [ocultar]

* 1 Biografía o 1.1 Comienzos o 1.2 Hybrid Theory (2000 - 2002) o 1.3 Meteora (2002 - 2004) o 1.4 Minutes to Midnight (2007 - 2008) o 1.5 El futuro * 2 Estilo de música * 3 Miembros actuales o 3.1 Ex miembros * 4 Discografía o 4.1 Albums de estudio o 4.2 EP/Demos o 4.3 CD/DVD * 5 Sencillo/Videoclips * 6 Premios y nominaciones * 7 Referencias * 8 Enlaces externos

Biografía [editar]

Comienzos [editar]

Los primeros años de la banda se remontan a un pequeño estudio del vocalista Mike Shinoda donde él, junto a un amigo y compañero de el preparatoria Agoura High School, Brad Delson grabaron el primer material de la banda en 1995. Los dos estaban en el mismo instituto, donde conocieron a Rob Bourdon, actual baterista de la banda. Más adelante, cuando tomaron el tema de la banda más en serio, Shinoda contactó con Joe Hahn cuando estudiaba en el Art Center College de Pasadena. Por su parte, Delson compartió apartamento con el bajista David Farrell, quien decidió dejar el grupo, porque estaba comprometido con su otra formación. Farrell regresó un año más tarde. En esa época se unió a la banda Mark Wakefield, en 1996.

Ya en 1997 había seis integrantes y medio, en el grupo y decidieron llamarse SuperXero que posteriormente se vería resumida únicamente a Xero. Grabaron en la alcoba usada como estudio de Shinoda varias canciones con el fin de conseguir un contrato con un sello discográfico. Aunque las compilaciones de su primer demo, Xero, se hicieron con pocos recursos, no pudo la banda conseguir un contrato y el proyecto no prosperó. La desilusión era tan grande dentro de la banda que por la misma razón Mark Wakefield decidió abandonar el grupo. Farrell, igual decidió abandonar el grupo por un tiempo, ya que su proyecto anteriormente dicho, la banda The Snax, tenía que hacer algunas giras, por lo que él les tenía que acompañar. Mientras eso se integra a la banda Kyle Christene, como bajista temporal.

Wakefield era vocalista de Xero, por lo que su salida provoco que el grupo consiguiera un nuevo cantante. Shinoda puso un anuncio en un periódico con el fin de contratar a un nuevo vocalista. Chester Bennington se interesó en aquel anuncio. Bennington es del estado de Arizona, estaba en el grupo Grey Daze y además empezó a grabar discos con el grupo mencionado anteriormente desde los 16 años. Recibió los demos del grupo, unos con las canciones interpretadas por otro vocalista y otro con las versiones instrumentales. Una vez terminado el trabajo de Bennington de grabar su voz en los demos instrumentales, los llamó avisando que estaba listo. Los de la banda le pidieron que una grabación que Bennington hizo la pusiera al teléfono. La banda había quedado muy impresionada por su voz, por lo que decidieron convocarlo inmediatamente.

Tras la integración de Bennington en 1999, la banda se llamó "Hybrid Theory". Desde entonces la banda se preocupó en hacer un nuevo material trabajando en un sello independiente. Pero al registrar el nombre del grupo, tuvieron un problema, ya que existía un grupo con el nombre Hybrid, por lo que la banda tuvo que cambiar su nombre otra vez. Después de tantos nombres, Bennington propuso que la banda se llamara "Lincoln Park", donde pasaba con su auto al volver de los estudios, como un homenaje al Lincoln Park de Santa Mónica. Desde entonces la banda se llamó Lincoln Park, pero hubo otro problema, ya que el dominio "lincolnpark.com" costaba más de lo que la banda podía permitir, cambiaron la palabra Lincoln por Linkin y desde ese momento se llamó la banda "Linkin Park" hasta el día de hoy.

Anteriormente estaban trabajando en un nuevo material lo que resultó ser un EP, llamado Hybrid Theory. Este EP contenía 6 canciones: Carousel, Technique, Step Up, And One, High Voltage y Part of Me. Fue lanzado el año 1999.

Linkin Park seguía por la lucha de la búsqueda de un contrato de sello discográfico, Hubo muchos rechazos por parte de grandes sellos discográficos. Jeef Blue los ayudó en esto. Éste en esa época se convirtió en el vicepresidente de Warner Bros. Records, desde entonces Linkin Park firmó un contrato con esta discográfica. Ya a la mano de Warner Bros., la banda trabajó para un nuevo material de estudio que un año más tarde se lanzó. En la realización de este trabajo se integra Scott Koziol, bajista temporal de la banda. Éste trabajo sería uno de los mejores del grupo: Hybrid Theory.

Hybrid Theory (2000 - 2002) [editar]

Artículo referido al disco: Hybrid Theory

El primer álbum de Linkin Park llamado Hybrid Theory fue lanzado el 24 de octubre de 2000. Este disco le costó a Linkin Park medio año de trabajo. Su productor fue Don Gilmore. El disco tuvo un buen recibimiento por fanáticos. El grupo vendió más de 4,8 millones de copias sólo durante su año debut. El álbum está compuesto en mayoría por temas líricos que tratan los problemas que afectaron a Bennington durante su adolescencia, incluso el abuso de drogas y alcohol, y el divorcio entre padres.

El disco fue #2 en el U.S. Billboard 200 y ha alcanzado posiciones muy buenas e importantes en el resto del mundo. La banda ha vendido alrededor de 24 millones de copias en todo el mundo, y de esos, 10 millones de copias se han vendido sólo en Estados Unidos, haciéndole el álbum de mejor venta en el siglo XXI.

En el 2001, Linkin Park formó parte en el Ozzfest, en el que estuvieron muchos artistas en gira, como Marilyn Manson, Slipknot, Crazy Town, Papa Roach, y Disturbed. Fue una época en que Linkin Park recibió muchas invitaciones para realizar giras de alto perfil como por ejemplo en el recién mencionado Ozzfest, en el Family Values Tour y en el KROQ Almost Acoustic Christmas. La banda inició su propia gira llamada Projekt Revolution, en la que participaron artistas invitados como Cypress Hill, Adema, DJ Z-Trip, Xzibit, Mudvayne, Blindside y Snoop Dogg. Dentro de un año, Linkin Park había realizado más de 320 conciertos. También en el 2001, el bajista Koziol sale del grupo ya que vuelve Farrell.

Volviendo al tema de la discografía, Linkin Park lanzó una edición especial de su disco Hybrid Theory el 11 de marzo de 2002 en Japón. Esta edición especial contiene todo el disco Hybrid Theory, además de 3 canciones ("Papercut", "Points of Authority" y "A Place for My Head") en vivo desde Docklands Arena, Londres, un nuevo tema: "My December" y también un tema del EP Hybrid Theory, "High Voltage", solo que esta version fue remezclada, agregandole un background musical totalmente distinto y un bridge donde aparece Chester Bennington.

Más adelante, en ese mismo año, el 30 de julio, Linkin Park lanzó un nuevo disco de remezclas titulado Reanimation. Este disco presenta remixes de canciones de Hybrid Theory y del EP Hybrid Theory. Reanimation recibió la colaboración de numerosos artistas, como Black Thought, Jonathan Davis, Aaron Lewis, entre otros. A pesar de que este disco se hizo de material viejo del grupo, fue disco de platino en Estados Unidos vendiendo 1 millón de copias. Sólo en su semana debut vendió casi 270.000 copias.

Se hicieron muchos conciertos y giras en el mundo, hasta que en el propio autobús de la gira, la banda empezó a trabajar en un nuevo álbum: Meteora.

Meteora (2002 - 2004) [editar]

Artìculo referido al disco: Meteora (álbum)

Linkin Park siguió en giras y conciertos como se había dicho anteriormente, y debido a que seguirían así por mucho tiempo, la banda decidió trabajar en su nuevo álbum en el mismo autobús de la gira y usarlo como un estudio. La banda trabajó en el nuevo álbum entre su horario saturado y también en su tiempo libre. Linkin Park en el Novarock Festival

La banda anunció la producción de un nuevo álbum de estudio en diciembre de 2001 y revela su nuevo trabajo inspirado por la región rocosa de Meteora en Grecia donde se han construido numerosos monasterios encima de las piedras. Meteora ofrecía nuevamente el rapcore y nu metal, como en Hybrid Theory pero con la incorporación de nuevos y novedosos instrumentos, como un Shakuhashi (una flauta japonesa hecha de bambú) y nuevos efectos de sonido. Algo interesante es que la sincronización de las canciones del álbum se da en casi todo el disco.

El productor del álbum Meteora fue nuevamente Don Gilmore. La banda trabajó casi todo el año 2002 en el álbum, hasta diciembre del mismo año.

El segundo álbum de Linkin Park se lanzó mundialmente el 25 de marzo de 2003. En el día de su debut ganó un reconocimiento mundial, ya que fue #1 en Estados Unidos y Reino Unido y #2 en Australia. La banda vendió más de 800.000 copias en la primera semana. En octubre de 2003 se vendieron casi 3 millones de copias. Tuvo un éxito de ventas este álbum, claro que la banda recibió fuertes críticas. Según Allmusic.com dice que No es nada más ni nada menos que Hybrid Theory Parte 2 y Blender lo califica como más duro, más denso, más feo.

El álbum permitió a Linkin Park a hacer una nueva gira Projekt Revolution, invitando artistas como Mudvayne, Blindside, y Xzibit. También en el 2003 Metallica lo invitó junto a Limp Bizkit, Mudvayne y Deftones a participar en el Summer Sanitarium Tour 2003. Linkin Park lanzó ese mismo año un álbum que contenía un CD y un DVD, estos tenían título Live in Texas que recopilaba las actuaciones que tuvo Linkin Park en Texas. En el año 2004 la banda hizo nuevamente una gira por todo el mundo llamada Meteora World Tour. El 29 de junio de ese mismo año la banda lanza un nuevo disco, llamado Meteora Tour Edition, que contiene las canciones de Meteora en versiones en vivo que se dieron por todo el mundo en el Meteora World Tour.

Minutes to Midnight (2007 - 2008) [editar]

Linkin Park intervino en el "Summer Sonic Festival" de Japón el 12 y el 13 de agosto de 2006. El 6 de marzo de 2007, Mike Shinoda publicó en su MySpace y en el de Linkin Park un post acerca del nuevo álbum llamado Minutes to Midnight, que se lanzó el 15 de mayo (2007) en Estados Unidos y el 14 de mayo en los demás países.

El primer sencillo What I've Done fue lanzado el 2 de abril de 2007. El álbum muestra Rock Alternativo más "suave" (a comparación de los álbumes anteriores) alegando una evolución en su sonido. Su productor es Rick Rubin quien ha trabajado con Red Hot Chili Peppers, Audioslave, Metallica, Weezer, System of a Down, Limp Bizkit, Satanica, U2 y muchos otros. Hasta la fecha han salido cuatro sencillos más. El ultimo de estos Leave Out All The Rest una de las tantas baladas melódicas junto con Shadow Of The Day, incluidas en este disco.

Minutes To Midnight ha ganado más de 20 Discos de Oro y algunos de Platino, superando el récord de Madonna. La gira tenía como previsto finalizar en Asia y posiblemente Sudamerica, pero tuvo que cancelarse debido a una lesión en la cadera de Chester Bennington. En octubre de 2008, la banda confirmó que para el 25 de noviembre del dicho año, lanzarían su nuevo DVD, "Road To Revolution: Live at Milton Keynes.

El futuro [editar]

Varios miembros de Linkin Park anunciaron en varias entrevistas que se ha empezado un proceso de creación de temas para un futuro nuevo disco. Además se había confirmado (Antes de la lesión sufrida por Chester) que tras la gira en Asia se dedicarían de lleno a grabar material para un nuevo cd. No se sabe a ciencia cierta si ya empezaron con el proceso de creación o no, pero algunas versiones indican que la banda empezaría recien entre marzo y abril del próximo año. Además, se rumorea que el estudio elegido para la grabación seria el Indigo Ranch, en California, ya usado por bandas como Korn, Sepultura o Limp Bizkit.

Estilo de música [editar]

Tanto Hybrid Theory como Meteora tuvieron sonido Nu Metal y con influencias y elementos de Rock Industrial, Synth rock, Electronica, batería y bajo, utilizando progamadores y sintetizadores.

En el último album que hicieron, Minutes to Midnight, la banda experimentó con sus sonidos establecidos más influencias de varios géneros de música y estilos. El periódico Los Angeles Times los compara con el trabajo de U2. En este mismo álbum solo en dos canciones se rapea. También es el primer álbum que presenta solos de guitarra y a Mike Shinoda cantando en lugar de rapear. Chester Bennington

El uso de los dos tipos de canto de Linkin Park ha hecho gran parte de su música. Chester Bennington es muy conocido por sus gritos nu metal aunque también utiliza canto melódico y tiene el 46º lugar en la lista de cantantes de heavy metal "Heavy Metal's All-Time Top 100 Vocalists" de la revista Hit Parader[3] . Mike Shinoda es el rapero de la banda. También hace coros en algunas canciones, pero en el nuevo álbum ha cantado en tres canciones; ha estado en la lista de "Heavy Metal's All-Time Top 100 Vocalists" en 72º lugar[3] .

Miembros actuales [editar]

* Chester Bennington: Voz, guitarra (Shadow Of The Day y It's Goin Down en directo)

* Mike Shinoda: Voz, teclado y guitarra rítmica

* Joe Hahn: DJ, sintetizador y samplers

* Brad Delson: Guitarra solista, bajo (algunas canciones de Hybrid Theory)

* Rob Bourdon: Batería

* David Farrell: Bajo, Cello y Coros

Ex miembros [editar]

* Kyle Christener: (luego miembro de Nosedive) participó como bajista en Hybrid Theory EP, mientras Phoenix aún pertenecía a la banda de punk cristiano The Snax. En Hybrid Theory fue sustituido por Scott Koziol y Ian Hornbeck.

* Scott Koziol: fue bajista temporal de la banda. Tocó el bajo en la canción One Step Closer del álbum Hybrid Theory (en las demás canciones Ian Hornbeck y Brad Delson tocaron el bajo). Scott aparece en el vídeo promocional de One Step Closer y estuvo de gira con el grupo durante varios meses. Se marchó cuando Dave Farrell volvió a Linkin park

* Ian Hornbeck

* Mark Wakefield